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IN MEMORIAM: ALEX ANGULO

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Nació el 12 de abril de 1953 en Vizcaya, País Vasco (España).

A los 18 años decidió convertirse en actor y empezó a colaborar con la compañía de teatro independiente Karraka. En 1981 hizo su debut como intérprete de reparto en la película "La fuga de Segovia" de Imanol Uribe. Tras varios años alejado de la gran pantalla en los que ejerció como actor de doblaje, participó como secundario en "Tu novia está loca" (1988), "El anónimo... ¡vaya papelón!" (1990), "Todo por la pasta" (1991) de Enrique Urbizu y "El rey pasmado" (1991) de Imanol Uribe.

A comienzos de los 90 colaboró en programas y series de la cadena ETB como "Con los pies en el agua", Detrás del Sirimiri", "Bertan Zoro" (1991-92).

En 1991 intervino en un episodio de "Taller mecánico" y fue dirigido por primera vez por su amigo Alex de la Iglesia en el galardonado cortometraje "Mirindas asesinas". Un año después volvieron a colaborar en "Acción mutante" (1992), en el vídeojuego "Marbella: Antivicio" (1994), y en 1995 en la excelente "El día de la bestia", donde destacó con su brillante interpretación del sacerdote exorcista, que le reportó su primera nominación al Goya como Mejor actor y el Premio Ondas.

A mitad y finales de los 90 colaboró en episodios de otras series como "Los ladrones van a la oficina" (1993) y "La mujer de tu vida 2" (1994), intervino en el espacio de humor de La 2 "El peor programa de la semana" (1994), y fue un personaje fijo en la serie "Villarriba y Villabajo" (1994-95).

La popularidad de sus trabajos con de la Iglesia lo convirtió en un actor imprescindible del cine español, aunque se prodigó mayoritariamente como secundario en títulos como "Sálvate si puedes" (1995), "Hola ¿estás sola?" (1995) de Icíar Bollaín, "Así en el cielo como en la tierra" (1995) de Jose Luis Cuerda, "Matías juez de línea" (1996), "Brujas" (1996) de Álvaro Fernández Armero, "Dos por dos" (1997), "Carne trémula" (1997) de Pedro Almodóvar, "Grandes ocasiones" (1998), "Los años bárbaros" (1998) de Fernando Colomo y "Muertos de risa" (1999) de Alex de la Iglesia, que le reportó una segunda nominación al Goya, aunque esta vez como Mejor actor secundario por dar vida a Julián, el manager del dúo cómico Nino y Bruno (Santiago Segura y El Gran Wyoming).

Entre 1998 y 2002 triunfó con su papel de Blas Castellote en la serie "Periodistas" de Tele 5, que se mantuvo 9 temporadas en antena. A lo largo del siglo XXI prosiguió ejerciendo como actor de reparto en "Sexo por compasión" (2000), "A mi madre le gustan las mujeres" (2002), "Todo menos la chica" (2002), "Poniente" (2002), "El coche de pedales" (2004), "Isi/Disi: Amor a lo bestia" (2004), "Otros días vendrán" (2005), "El laberinto del fauno" (2006) de Guillermo del Toro, "Bosque de sombras" (2007), "Casual Day" (2007), "La casa de mi padre" (2008) "Imago mortis" (2009), "Fuga de cerebros" (2009), "El Gran Vázquez" de Oscar Aibar (por la que obtuvo su segunda nominación al Goya como Mejor actor secundario), "Un mundo casi perfecto" (2011), "Área de descanso" (2011), "De tu ventana a la mía" (2011), "Los muertos no se tocan, nene" (2011), "Zipi y Zape y el club de la canica" (2013) y "A escondidas" (2014).

En televisión realizó otros trabajos como invitado en "7 vidas", "El comisario", "Maneras de sobrevivir", "Aquí no hay quien viva", "Los Serrano" y "Amar en tiempos revueltos", y fue secundario en la miniserie "La princesa de Éboli" (2010) y el telefilm "La conspiración" (2012). También fue actor fijo en otras producciones televisivas como la fracasada "Tirando a dar" (2006) y "Hermanos y detectives" (2007-2009) en Tele 5, "14 de abril: la República" (2011) y "Gran reserva: El origen" (2013) en TVE, y "Toledo: Cruce de destinos" (2012) en Antena 3. En los personal, estaba casado y era padre de una hija. Alex Angulo falleció el 20 de julio de 2014 en La Rioja (España), a la edad de 61 años y tras sufrir un accidente de tráfico mientras conducía para trasladarse a un rodaje. Entre sus trabajos pendientes de estreno figuran las películas "Justi&Cia" y "Bendita Calamidad" los cortometrajes "Mamnala" y "Post Mortem".

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ASISTIMOS A FIMUCITÉ 8 (FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA DE CINE DE TENERIFE)

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Del 4 al 12 de julio tuvo lugar la octava edición de Fimucité (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife). Este año su temática giró en torno al 75 aniversario de Batman, al tiempo que también hubo espacio para las bandas sonoras televisivas. Entre los invitados figuraron los compositores españoles Antón García Abril, Víctor Reyes, Pascal Gaigne y Luis Ivars,  el canadiense Trevor Morris, y los norteamericanos Joseph LoDuca, Lee Holdridge (de origen haitiano), Elliot Goldenthal y Paul Williams.

Como es habitual, y de manera paralela a los conciertos, tuvieron lugar diversas actividades paralelas entre las que figuraron la proyección en el TEA de películas como la hindú "Krrish 3" o diversos trabajos del realizador Víctor Matellano y estrenados en 2014 como el largometraje "Wax", el documental sobre la historia del cine de terror español "Zarpazos" o el cortometraje "La cañada de los ingleses". Estos films compitieron en los Fimucinema, los premios musicales del festival, que contaron con cuatro galardones: Premio a la Mejor Canción para “Subhanallah”, de la película "Yeh Jawaani hai Deewani"; Premio a la Mejor Partitura Musical para cortometraje para Debbie Wiseman, por "Shalom Kabul"; Premio a la Mejor Partitura Musical para documental para Santiago Vega por "Entre dos mundos. La historia de Gonzalo Guerrero", y Premio Alex North a la Mejor Partitura Musical para largometraje de ficción para Patrice Dubuc y Gaëtan Gravel por "Meetings with a young poet".

OTRAS ACTIVIDADES PARALELAS:

En relación las conferencias, la primera de ellas tuvo lugar el 10 de julio en el Hotel Mencey, donde Antón García Abril demostró el gran cariño y orgullo que siente hacia su trabajo, a la vez que sorprendió por la lucidez con la que expuso los recuerdos de su profesión a sus 81 años.

Con Antón García Abril.

"Hice un curso de música de verano en la Escuela Italiana de Siena de 3 meses, y al que estuve yendo durante 3 años, yo ya había hecho una primera banda sonora para una película titulada "Torrepartida" (1956), y estudiando allí recibí un correo para trabajar en mi segunda película. Hice música para un cine de evasión y trabajé muchísimo con Pedro Lazaga y Pedro Masó. En esta época no le daba mucha importancia a los géneros, lo importante era la técnica y saber pasar de una película de terror a una de amor".

"Al trabajar en televisión se modifica muy poco la posición del compositor, la diferencia es que series como "Los camioneros" (1973-74) la veían 9 millones de personas".

"Trabajé codo con codo con Félix Rodríguez de la Fuente en "El hombre y la tierra" (1975-1980), él tenía una gran fuerza para transmitir, era tenaz, exigía mucho y nunca fracasaba. Su amor por la naturaleza era excepcional, sabía representar la unión del hombre con la tierra, y a la vez denunciar como éste estaba destruyendo su bien más preciado. Hubo dos versiones del tema centra del programa, la que acabó siendo la definitiva que se iniciaba con el amanecer, y otra que entraba directamente al ritmo. Una vez me pidió música acuática para recrear una escena con nutrias y utilicé una lira acompañada de una escala de botellas rellenas de agua, lo grabamos y quedó muy bonito, pero un torpe del equipo tropezó y destruyó mi invento. La muerte de Félix fue una experiencia muy amarga, nadie del equipo lo esperaba, y estábamos preparando una nueva serie que iba a ser preciosa".

"Para "Los santos inocentes" (1984) de Mario Camus tuve que componer una música humilde y triste, acorde con la película, y empleé el sonido del árbol rabel, algo que al realizador le encantó. También tuve la suerte de trabajar con Jose María Forqué, Antonio Isasi Isasmendi o Pilar Miró, que tenían una gran sensibilidad por la música y siempre te explicaban lo que querían".

Con Víctor Reyes, Pascal Gaigne y Luis Ivars.

Finalizada esta charla, la segunda del día contó con Víctor Reyes, que acudió al festival para recoger el Premio Score Magazine a la Mejor banda sonora por su trabajo en estupenda labor en "Grand Piano" de 2013 (para la que tuvo que componer un concierto completo de piano); Pascal Gaigne, ganador del Premio Score Magazine al Mejor compositor nacional por "La Chanson de Roland" (2011);  y Luis Ivars, autor de bandas sonoras como "Tiempos de azúcar" (2001) o "El Capitán Trueno y el Santo Grial" (2011) y jurado de Fimucinema. Todos ellos comentaron sus opiniones acerca del trabajo de la música para televisión en España.

El viernes 11 de julio se llevó a cabo una tercera conferencia en el Hotel Mencey en la que participaron Trevor Morris (primera foto), Joseph LoDuca (segunda foto), Lee Holdridge (tercera foto).

Con Trevor Morris, Joseph LoDuca y Lee Holdridge.

Lee Holdridge sorprendió con su dominio del castellano comentando aspectos curiosos de su carrera como:

"Colaboré con mi gran amigo Plácido Domingo en un proyecto para representar ópera en las escuelas de Estados Unidos".

"Mi música ha sido utilizada en espectáculo del mago David Copperfield, y hasta en una ocasión recibí una carta en la que descubrí para mi asombro que mis composiciones iban a ser interpretadas por el coro del FBI".

En la foto: Lee Holdridge firmando el disco de la banda sonora de "El señor de las bestias" (1982).

Trevor Morris habló sobre su proceso creativo señalando: "Suelo trabajar con computadora, es algo que facilita mucho las cosas".

Joseph LoDuca comentó su buena relación con el realizador Sam Raimi, con el que ha colaborado en la trilogía de "Posesión infernal" y en las series "Hércules, los viajes legendarios", "Xena, la princesa guerrera" y "Spartacus: Sangre y arena":

"Sam Raimi es un gran amigo, es muy caballeroso y a veces reservado, nos entendemos bien, llevamos trabajando juntos desde muy jóvenes".

A la pregunta general sobre la supresión de cabeceras en series como "Perdidos" o "Héroes", tanto Holdridge como Morris se mostraron contrarios a ello:

Lee Holdridge: "Hay una obsesión actual para evitar que el espectador no cambie de canal en las grandes networks, aunque a veces se utiliza ese hueco para emitir publicidad. Por suerte, en las series de televisión por cable o en producciones como "Downton Abbey" se mantienen las cabeceras, lo cual es muy importante para que tu creación perdure en el recuerdo".

Trevor Morris: Para mi el hecho de que una serie no tenga cabecera me crea el efecto contrario, una de las razones por las que yo me quedaba enganchado a "Urgencias" era por su tema central. Como autor yo siempre lucho por que haya al menos 30 segundos para crear una sintonía para el comienzo de una de mis series.

Por otra parte, Paul Williams, intérprete del papel de compositor sin escrúpulos Swan y autor banda sonora de "El fantasma del paraíso" (1974) de Brian De Palma, acudió al TEA el 12 de julio con motivo del 40 aniversario del estreno de la película, comentando diversos aspectos de la misma y sobre su trayectoria como compositor y actor, en una carrera que también incluye la canción "Evergreen" de "Ha nacido una estrella" (y por la que ganó el Oscar junto a Barbra Streisand en 1976), el famoso tema central de "Vacaciones en el mar", o una reciente colaboración con Daft Punk en el álbum ganador del Grammy "Random Acces Memories" (2013). Williams se mostró amable, cordial y sincero a la hora de responder a las preguntas del moderador y los asistentes a la charla:

Con Paul Williams.

"En un principio no quería aceptar el papel de Swan en "El fantasma del paraíso", porque la ser compositor no quería que pensaran que estaba en contra de la música, y a la vez, yo pensaba que por mi estatura, no podía ser terrorífico, aunque al final me lancé a aceptar este reto. Conté con una banda sonora maravillosa, con canciones que iban del rock al country y con influencia en grupos de éxito como The Beach Boys. Hoy al revisar la película me siento orgulloso de ella y del trabajo de mis compañeros William Finley y Jessica Harper.

Tengo una anécdota relacionada con Guillermo del Toro, al que conocí en México cuando él era un joven fan de la película, y al final he tenido la suerte de poder trabajar con él en una adaptación musical para Broadway de su película "El laberinto del fauno" (2006)".

"En mi carrera trabajé con maestros maravillosos como John Williams en "Permiso para amar hasta medianoche" (1973) o Jerry Goldsmith en "Nimh, el mundo secreto de la señora Brisby", que fue una experiencia maravillosa". De todos ellos, la persona que me dio más libertad creativa fue Jim Henson en "Los Teleñecos: la película" (1979)".

"Siempre me ha gustado aceptar los papeles secundarios que me han ofrecido en películas como "La conquista del planeta de los simios" (1973), donde me sometía a tres horas de maquillaje diarias y pude coincidir con actores maravillosos como Roddy McDowall, Claude Akins o John Huston".

"Me sorprende que aún se acuerden de mi pequeña colaboración en la serie de animación de "Batman" (1992-98), donde puse la voz a El Pingüino en varios episodios. Me lo pasé muy bien y me gusta bromear hablando como el personaje".

"Actualmente soy presidente de las ASCAP (La Asociación Americana de Compositores y Autores), y mi deber es preservar la música y defender los derechos de sus autores".

"En mi vida personal fui alcohólico y tuve problemas con las drogas, algo que frenó mi creatividad. No me avergüenza reconocerlo, ya que al hablar de ello demuestro que se puede superar, y puede servir para ayudar a otras personas. Por este motivo ejerzo como portavoz sobre este tema".

CONCIERTOS:

Los tres primeros conciertos del festival fueron "Film Noir", dedicado al cine negro y a cargo de la Big Band de Canarias en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos (5 de julio), y "Niños y Héroes" (10 de julio) y "Back to the 80s" (6  de julio) en el Teatro Guimerá.

A través de un adecuado ambiente festivo, "Back to the 80's" nos transportó a algunos de los más populares temas de películas de los 80 como “The Heat is On” ("Superdetective en Hollywood), "When The Going Gets Tough, The Tough Get Going" ("La Joya del Nilo"), "Danger Zone"  ("Top Gun"), "Don´t You Forget About Me" ("El club de los cinco"), "We Don´t Need Another Hero" ("Mad Max: Más allá de la Cúpula del Trueno"), "Up Where We Belong" ("Oficial y caballero"), "The Goonies 'R' good enough" ("Los Goonies"), "Rhythm of the night" ("El último Dragón"), "Glory of Love" ("Karate Kid II"), "Believe it or not" ("de la serie "El Gran Héroe Americano"), "The Power of Love" y "Back in Time" ("Regreso al futuro"), "Footlose", "Another Brick in the Wall" ("Pink Floyd: El Muro"), "(I've had) The Time of my life" ("Dirty Dancing"), "Eye of the Tiger" (Rocky 3"), "Out here on my own" y "Fame (Remember My Name)" (Fama"), "Flashdance... What a Feeling" ("Flashdance"), “Queen medley” ("Los inmortales" y "Flash Gordon"), "Everybody Needs Somebody to Love" ("Granujas a Todo Ritmo"), "Best That You Can Do" ("Arthur: El Soltero de Oro"), "Ghostbusters" (Los Cazafantasmas) y "Partyman" ("Batman", esta última interpretada fuera de programa).

El concierto tuvo al frente a The Pop Culture Band, integrada por Francis Díaz (guitarras), Fede Beuster (batería), Felipe Hernández (bajo y teclados), Kike Perdomo (saxo), Yossi Itskovich (trombón) y José Humberto Martín (trompeta), y las voces de Esther Ovejero, Lorena García, Fran León, Víctor Martín, Marc Quee y Rafa Saavedra.

Los dos últimos conciertos fueron "La gran gala de la televisión" (11 de julio) y la Ceremonia de Clausura con el 75 Aniversario de Batman (12 de julio), ambos realizados en el Auditorio de Tenerife con la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir bajo la batuta de Diego Navarro.

Tras un pequeño bloque dedicado a las premiadas "La Chanson de Roland” de Pascal Gaigne y "Grand Piano" de Víctor Reyes, "La gran gala de la televisión" hizo un estupendo repaso por clásicos televisivos junto a éxitos más recientes, e incluyó piezas dirigidas por los propios Lee Holdridge y Trevor Morris. En la variada selección encontramos: "Los Ángeles de Charlie" (Allyn Ferguson), "El Equipo A" (Mike Post y Pete Carpenter), "Al Este del Edén" (Lee Holdridge), "El Pájaro Espino" (Henry Mancini, que contó con la flauta de Sara Andon), "Cuentos Asombrosos" ( John Williams), "Norte y Sur" (Bill Conti), " Isabel" (Federico Jusid), varias piezas de Antón García Abril ("El Hombre y La Tierra", "Fortunata y Jacinta" y "Anillos de Oro"),  "La Bella y la Bestia" y "Luz de Luna" (interpretada por el solista Fran León) de Lee Holdridge, "Los Borgia" y "Los Tudor" de Trevor Morris, "Downton Abbey" (John Lunn), "Hermanos de Sangre" (Michael Kamen),  "Xena: La Princesa Guerrera" y "Spartacus" (con la colaboración de la solista Lorena García)  de Joseph LoDuca, "Los Kennedy", "Elementary" y "24: Vive otro día" (Sean Callery), "The Pacific" (Blake Neely), "Las Nieblas de Avalon" (Fantasía para Flauta y Orquesta, que también contó con la colaboración de Sara Andon) y "Hawai 5-0" (obra de Morton Stevens y ofrecida fuera de programa). Hay que señalar que en el evento, Antón García Abril recibió el Premio Fimucité de Honor, que desde esta edición llevará el nombre de Premio Antón García Abril.

Respecto al concierto de clausura, previamente se ofreció una versión de "Phantom's Theme" de "El fantasma del paraíso" (1974) interpretada por Fran León y Sophia Unsworth, al tiempo que se entregó el Premio Antón García Abril a Paul Williams.

Tras este breve fragmento, se dio paso al amplio repaso por la música del oscuro héroe de Gotham. En un primer bloque se incluyó el entrañable tema pop de la serie televisiva (1966-68), las inolvidables y hermosas fanfarrias de Danny Elfman para "Batman" (1989) y "Batman vuelve" (1992) de Tim Burton, y la música del largometraje animado "Batman: la máscara del fantasma" (1993), basado a su vez en la excelente serie animada emitida entre 1992 y 1998.

Con Elliot Goldenthal, ganador del Oscar a la Mejor banda sonora por "Frida" (2002).

En su segunda parte se incluyó la estupenda partitura de Elliot Goldenthal para "Batman Forever" (1995) y "Batman & Robin" (1997) de Joel Schumacher, y el propio autor recogió su Premio Antón García Abril y demostró un gran sentido del humor en su discurso.

En la foto (de izquierda a derecha): Uyanga, Ciprian Costin, Diego Navarro y Tina Guo.

A modo cierre, llegó el momento "La suite de El Caballero Oscuro" de Hans Zimmer y James Newton Howard, que repasó la trilogía de Christopher Nolan integrada por "Batman Begins" (2005), "El Caballero Oscuro" (2008) y "El Caballero Oscuro: La leyenda renace" (2011). Esta parte del concierto brilló con luz propia gracias a su espectacular puesta en escena en la que participaron la solista Uyanga de Mongolia, la violonchelista Tina Guo y el teclista Ciprian Costin (colaborador habitual de Has Zimmer).

Con Uyanga y Tina Guo.

En la foto (de izquierda a derecha): la flautista Sara Andon, Diego Navarro, Elliot Goldenthal, Paul Williams y su esposa Mariana.

Sin lugar a dudas, esta edición del festival fue inolvidable, y parte del mérito es del gran esfuerzo de su equipo creativo.

En la foto: Luis Ivars con los actores Ginés García Millán y Paula Cancio (asistentes al festival, coincidiendo con el rodaje en Tenerife de la película "Felices 140" de Gracia Querejeta).

Fotos de los conciertos: Tumba abierta

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CRÓNICA DE TENERIFE LANPARTY - SUMMER-CON 2K14

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Del 15 al 20 de julio tuvo lugar la Tenerife LanParty - Summer-con 2k14 en el Recinto Ferial de Santa Cruz de Tenerife. El evento dedicado a las nuevas tecnologías, vídeojuegos (con torneos de "League of Legends" y "Street Fighter") y al mundo del cómic volvió a repetir el éxito de público entre visitantes (que como cada año se instalaron con sus ordenadores en los días que duró el evento) y participantes.

Zona de participantes.

Nacho Ortiz de la web Merstation en el Campeonato de Street Fighter.

Desarrollo de robótica.

Esta edición contó con invitados como Loulogio y Bolli, ambos youtubers, humoristas y presentadores del ya finalizado espacio "Fiesta suprema" (2013) en La 2. En su conferencia comentaron sus experiencias personales y profesionales sobre el mundo de los videoblogs, señalando también sus pros y contras o el uso de este herramienta como arma de promoción .

Con Loulogio y Bolli.

Procedente del mundo del cómic y la ilustración, Luis Royo volvió a participar en el evento tras su experiencia hace dos años, y respecto a los nuevos artistas invitados, se llevaron a cabo conferencias y sesiones de firmas de los dibujantes  Pepe Larraz ("New Avengers: Luke Cage", "Thor", "Lobezno", "La Patrulla X", "Ultimate Spider-Man" o "Spider-Girl"), David Badeón ("Blue Beetle" de D.C., y "Nómada", "Los Jóvenes Aliados", "Academia Vengadores", "Marvel Zombies Christmas Carol", "X-Men Legado", "Astonishing X-Men", "Araña Escarlata" o Nova de "Marvel", y  "D&D Forgotten Realms: Cutter" de IDW) y Ken Niimura (Kill Giants de Image o ilustrador del libro "Japonés en viñetas"  de Marc Bernabé).

Con Pepe Larraz y David Baldeón.

Con Ken Niimura.

Thor de Pepe Larraz.

Portada de Nova con ilustación de David Baldeón.

I Kill Giants de Joe Kelly y Ken Numura.

Por otra parte, el domingo 20 tuvo lugar uno de los actos estrella del evento, el ya tradicional Concurso de cosplay, y que este año presentó además una nueva modalidad denominada chosplay (para disfraces realizados con elementos cotidianos). Este año se produjeron una serie de problemas técnicos que hicieron que la competición de disfraces fuese menos fluida que en ediciones anteriores y provocase largas esperas. El primer premio grupal para "El Señor de los Anillos" y el segundo individual para Tyarel de "Diablo 3" fueron más que merecidos, mientras que los cosplays del videojuego "League of Legends" recibieron dos premios (segundo grupal y primero individual), a pesar de que había otros muy superiores en cuanto a actuación y vestuario.

El Señor de los Anillos: Primer premio del Concurso de Cosplay (grupal).

League of Legends: Segundo premio del Concurso de Cosplay (grupal).

Jinx del videojuego League of Legends: Primer premio de Concurso de Cosplay (invdividual).

Diablo 3: Segundo premio del Concurso de  Cosplay (Individual).

Concurso de Cosplay: Spider-Man.

Concurso de Cosplay: Dante Inferno.

Concurso de Cosplay: Dr. Who.

Concurso de Cosplay: Big Daddy y Hit Girl de Kick Ass.

Halo (visitante) y Warhammer  4000 (Concurso de Cosplay).

Concurso de Cosplay: Maléfica .

Concurso de Cosplay: El Guerrero Samurái.

Concurso de Cosplay: Batman de Tim Burton.

Batman y Hiedra Venenosa.

El Joker y Batman.

Harley Queen y El Joker.

Harley Queen, Hiedra Venenosa y Catwoman.

Masacre y Lobezno.

El Señor Oscuro de "El Señor de los Anillos".

Avatar.

Mrs. Marvel.

Steampunk.

X-Men: Mercurio, Magneto y La Bruja Escarlata.

Jesucristo Colega de Dogma.

Arrow.

Los Cazafantasmas.

Death Note.

Agradecimientos a la web: Zumo de pistacho

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DEVORADORES 2: ELECTRIC BOOGALOO: PROGRAMA 24: "CURSO SERIÓFILO 2013-2014""

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Como complemento a nuestro programa "Curso seriófilo 2013-204", nos hemos centrado en comentar esta segunda tanda de series: La segunda parte de la cuarta temporada de "The Walking Dead", "Juego de tronos" (cuarta temporada), "Justified" (cuarta temporada), "Sangre fresca" (sexta temporada), "Vikingos" (segunda temporada), "Banshee" (segunda temporada), "Infierno sobre ruedas" (segunda temporada), "Big Bang" (séptima temporada), "Dos chicas sin blanca" (tercera temporada), "Cómo conocí a vuestra madre" (final de su novena y última temporada), "True Detective" (primera temporada), "Marvel Agentes de SHIELD" (segunda parte de la primera temporada), "Sleepy Hollow" (primera temporada), "Black Sails" (primera temporada), la miniserie "24: Vive otro día", "Looking" (primera temporada), "Los 100" (primera temporada), "Resurrección" (primera temporada), "The Millers" (primera temporada) y "Sillicon Valley (primera temporada), junto a las españolas "El príncipe" (primera temporada), "Sin identidad" (primera temporada) y "Velvet" (primera temporada), series canceladas como "Believe",  y algunos avances de las próximas novedades (entre las que encontramos "Extant", producida por Steven Spielberg y Halle Berry, o "The Strain" de Guillermo del Toro).

PARA ESCUCHAR EL PODCAST CLIQUEAD EN:

PODCAST NÚMERO 24

IN MEMORIAM: DICK SMITH

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Nació el 26 de junio de 1922 en Nueva York (USA).

Estudió en la Universidad de Yale. Durante sus años en el campus leyó un libro sobre técnicas de maquillaje de Hollwood y comenzó a ejercer como maquillador del grupo teatral universitario.

Al finalizar sus estudios, se convirtió en un pionero en la creación de maquillaje usando latex y plástico utilizados en aplicaciones de cambio rápido.

Debido a su gran talento, pronto se convirtió en maquillador profesional y con el tiempo llegó a ser toda una institución en el terreno de los efectos de maquillaje (admirado por maestros posteriores como Rob Bottin, Stan Winston o Rick Baker), llegando a publicar un libro de cabecera sobre el tema titulado "Dick Smith's Do-It-Yourself Monster Make-up Handbook" (1965), y al que se le hace un cariñoso homenaje en la película "Super 8" (2011) de J.J. Abrams.

En la pequeña pantalla trabajó en series y miniseries como "La dimensión desconocida", "Los intocables", "Dark Shadows", "Norte y Sur" (1985-86), "Monsters" (1988-91) y "Años dorados" (1991). En 1967 obtuvo el Emmy por su trabajo en el telefilm "Mark Twain Tonight!".

En el cine fue maquillador en títulos como "The Cowboy and the Blonde" (1941), "El capitán Eddie" (1945), "Yo creo en ti" (1948), "Telón de acero" (1948), "El monstruo del mar" (1949), "Odio entre hermanos" (1949), "El infierno de Texas" (1958), "El caimán humano" (1959), "Requiem por un campeón" (1962), "El cardenal" (1963), "El irresistible Henry Orient" (1964), "Ella y sus maridos" (1964), "Cowboy de medianoche" (1969) de John Schlesinger, "Sombras en la oscuridad" (1970), "Pequeño gran hombre" (1970), "¿Quién es Harry Kellerman?" (1971), "El Padrino" (1972) de Francis Ford Coppola, "El exorcista" (1972) de William Friedkin, "El Padrino 2" (1974), "La mujeres de Stepford" (1975), "La pareja chiflada" (1975), "Taxi Driver" (1976) de Martin Scorsese, "Marathon Man" (1976), "La centinela" (1977), "El exorcista 2: el hereje" (1977) de John Frankenhiemer, "El cazador" (1978) de Michael Cimino, "Viaje alucinante al fondo de la mente" (1980), "Scanners" (1981) de David Cronenberg, "Halcones de la noche" (1982), "Historia macabra" (1981), "El ansia" (193) de Tony Scott, "Amadeus" de Milos Forman (por la que ganó el Oscar y el BAFTA al Mejor maquillaje en 1984), "Starman" (1984) de John Carpenter, "Poltergeist 3" (1988), "Mi padre" (1990), "El gato infernal" (1990), "La muerte os sienta tan bien" (1992) de Robert Zemeckis, "Eternamente joven" (1992) o "House on Haunted Hill" (1999), que fue su último trabajo.

En 2012 recibió el Oscar honorífico por toda su carrera. En lo personal, estuvo casado con Jocelyn de Rosa, madre de sus dos hijos. Dick Smith falleció el 30 de julio de 2014, a la edad de 93 años.

Dustin Hoffman en "Pequeño gran hombre" (1970).

Maquillando a Marlon Brando en "El Padrino" (1972).

F. Murray Abraham en "Amadeus" (1984).

Junto al maquillador Rick Baker.

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WILFRED Y LA GANGA

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Wilfred y La Ganga fue el seudónimo bajo el que se escondió el showman puertorriqueño Wilfred Morales.

En su infancia ya se interesó por la música debido a que su padre formó parte de un trío musical. En sus comienzos trabajó como personal de producción en una emisora de radio en San Juan de Puerto Rico.

Aprovechando el éxito del rap en su país natal, en 1989 creó el single "Mi abuela" (también conocido como "La abuela"), un tema de hip-hop humorístico que giraba en torno a su convivencia con su estricta abuela. La canción incluía auténticas patadas de diccionario como "dició" o "estijeras". El tema vino acompañado de un videoclip y logró un gran éxito en 1990, triunfando en Hispanoamérica y España (donde estuvo dos semanas consecutivas en el número 1 de la lista de 40 Principales: 21 y 28 de julio de 1990).

En la edición de vinilo se incluyó una cara B titulada "La Baticueva", otro tema de rap que seguía la misma senda cómica y que giraba en torno a Batman y Robin.

Debido a la popularidad de "Mi abuela", en 1991 lanzó su segundo y último disco llamado "La otra cara del rap", donde recuperó los dos singles anteriores e incluyó otros nuevos como "Amor antes que conveniencia", "Gente como tu" y "Ya sobran bocas". Esta nueva propuesta no gozó de la popularidad de su primer trabajo, y por esta razón aparcó su carrera musical, aunque siguió vinculado al mundo del espectáculo.

Entre 1991 y 1994  colaboró como guitarra formando parte de la banda del programa de variedades "Marcano... El Show", presentado por Héctor Marcano y emitido por Telemundo. En esta cadena también participó como actor en la sitcom "Con lo que cuenta este País" (1991-94), donde dio vida al personaje de Cholón.

En la actualidad, ha seguido vinculado a la televisión y la radio de Puerto Rico ejerciendo como voz en off, creador de gingles, locutor, humorista (imitando a Shakira o Ricky Martin, entre otros) y productor. En 2005, el grupo Molotov hizo una versión punk-rock de "Mi abuela".

ENTREVISTA A WILFRED MORALES

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NOVENO ANIVERSARIO DE QUEFUEDE Y DE REGALO "SIN CITY: UN SET FUERA DE CANCHA" POR ALEX MEDINA

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Para celebrar nuestro noveno año en la red, una vez más doy mil gracias todos nuestros lectores y amigos por su cariño y fidelidad para que este proyecto haya ido creciendo en todo este tiempo, mucho más de lo que jamás imaginé. Aquí seguiré trayendo nuevos artículos, reportajes y entrevistas, y colaborando en la web Tumba abierta y el podcast Devoradores 2: Electric Boogaloo.

Antes de dar paso a la Octava Edición de Recuerdos, este año he querido variar el contenido extra con este relato que escribí basado en el universo del cómic "Sin City" de Frank Miller, y que fue seleccionado como Mejor relato corto en la edición de los premios de 2013 de la web You Are Writer (donde además hacen el juego de elegir a actores que podrían encajar en los respectivos personajes, para así imaginarlos como si se tratase de una auténtico fragmento rodado por Robert Rodriguez para las versiones cinematográficas).

"SIN CITY: UN SET FUERA DE CANCHA": POR ALEX MEDINA

Daniel Craig es Jake McElhone.

Jake McElhone: Hace 10 años fui una promesa del tenis, pero una lesión de hombro arruinó mi carrera para siempre. Desde entonces me dedico a dar clases particulares de este deporte.

Hace 7 meses me vine a Sin City tras recibir una suculenta oferta de Jason Martino, un mafioso asociado al Senador Roark. Aunque sabía que no jugaba limpio, acepté trabajar para él entrenando a Stacy, su chica, que se preparaba para un torneo benéfico en el Club de Tenis. Como Martino era el copropietario, a él le interesaba que ella ganara para lavar su imagen.

Rachel Weisz es Stacy.

Aprovechando los numerosos invitados de la fiesta, Stacy y yo encontramos un momento de distracción para reunirnos en mi habitación. Al fin pudimos dar rienda suelta a nuestra pasión durante varias horas. Poco antes de que ella volviese a su dormitorio, le conté que al día siguiente tenía que ir a la oficina de Martino para cobrar el dinero de mis clases. Stacy vivía con él en un lujoso apartamento de ese mismo edificio que era propiedad de Roark, y que tenía un helipuerto en su azotea. Acordé con ella que justo después de cobrar el dinero, teníamos que vernos en la azotea a las 22:00, y que mi a amigo Steve vendría a recogernos en su helicóptero para llevarnos lejos de Sin City.

Michael Imperioli es Jason Martino.

Esa mañana llamé a Steve, me debía un favor, así que aceptó ayudarme a cambio de que le diese una parte de mi sueldo. A la noche fui a la oficina de Martino, uno de sus hombres de confianza me dio el maletín, conté el dinero y tras ver que era la cantidad acordada, me dio la mano y las gracias, luego me marché.

Dave Bautista es Marco.

Al coger el ascensor subí a la azotea y allí estaba Stacy. Ella y yo nos fundimos en un apasionado beso. Poco después llegaba Steve en su helicóptero y cuando aún sobrevolaba por el edificio, él oyó dos disparos. Al aterrizar nos vio a Stacy y a mí, y a algunos metros de distancia, justo detrás de las escaleras de emergencia, estaba el cuerpo de Martino envuelto en un charco de sangre y con tiro en la cabeza. Marco estaba en una situación similar detrás de un macetero de gran tamaño. Yo me había dado cuenta de que los dos estaban escondidos para intentar matarnos, y se lo dije a Stacy cuando estábamos abrazados. Así que aprovechamos la distracción de la llegada del helicóptero para disparar de forma certera contra ambos, justo cuando asomaron levemente sus cabezas. Por suerte, éramos buenos tiradores, yo siempre lo había sido, y ella, como buena chica de un gángster, sabía defenderse bien.

Poco después, nos subimos al helicóptero y Steve nos dejó cerca del aeropuerto de una ciudad cercana a Sin City. Después de darle el dinero acordado, Stacy y yo compramos dos billetes a un lugar donde nadie pudiera encontrarnos.

Durante un mes, vivimos a unas románticas vacaciones en un resort, fueron días de vino y rosas, hasta que se me acabó el dinero, y ese día ella se esfumó mientras dormía. Esto último me lo esperaba, pero fue bonito mientras duró. Afortunadamente, en el resort necesitan un profesor de tenis…

Alex Medina.

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IN MEMORIAM: MENAHEM GOLAM (1929-2014): "EL HOMBRE DE LA ‘CANNON’": POR RAYCO

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El 8 de agosto de 2014 murió en su casa de Jaffa (Israel) Menahem Golan. Se nos ha ido un hombre fundamental para entender el cine de los 80; porque si en esa década arrasaron apellidos ilustres como Spielberg, Cameron, Zemeckis o Reitman o fue la época dorada de los slashers; también fue la década de los videoclubs y en esos mágicos locales nadie reinó tanto como la productora de Golan, The Cannon Group.

Menahem Golan nació 31 de mayo de 1929 en Tiberíades (Palestina, hoy Israel). Tras haber sido piloto en las fuerzas aéreas israelíes, marchó primero al Reino Unido para estudiar arte dramático y luego a Nueva York para aprender dirección cinematográfica. En los 50 retorna a su país y en 1964 se junta con su primo Yoram Globus para formar una productora.

Fueron unos años duros hasta que 1974 triunfaron con “Kazablan”.  Dirigida por el propio Golan y protagonizada por un talludito Yehoram Gaon, el Manolo Escobar hebreo, “Kazablan”  era un musical que versionaba “Romeo y Julieta”. Con esta peli lograron dos nominaciones a los Globos de Oro. Tres años después, Golam sería nominado al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa por “Operación Relámpago”, un cinta de acción basada en el secuestro real de un avión con Yehoram Gaon, el inquietante Klaus Kinski y la musa del erotismo al estilo “bésame o te machaco” Sybil Danning. Pero el pelotazo en taquilla les llegó en 1978 con la primera entrega de la saga “Polo de limón”, historia de chavales obsesionados con el sexo y claro antecedente de “Porky’s” y “American Pie”. La saga dejó ocho entregas y convirtió en actor de culto al gordito Zachi Noy.

Menahem Golan y Yoram Globus.

En 1979, Golan y Globus llegaron a EEUU y cantando aquello de “California, here we come” compraron por 500.000$ una pequeña productora, Cannon. Y como si de San Pedro se trataran sobre esa piedra construyeron su templo del cine chungo y ratonero.

La primera declaración de intenciones (y de hechos) de la Cannon fue “The Apple” (1980), una metáfora del Antiguo Testamento envuelto en un musical hortera, futurista y ambigua sexualmente (por ser amable) y que mezcla baladas moñas, música disco y temas intensos y trepidantes a lo Jim Steinman; además de un final de ésos que producen hilaridad, incredulidad e ira homicida a partes iguales.

Golan-Globus descubrieron que lo que quería la gente de los 80 era acción, y butacas con reposabrazos, pero sobre todo acción (confío en que Matt Groening no va a leer esto). Y pensaron: “eso de los ninjas no está muy visto en occidente”. Y luego se preguntaron: “¿quién mejor para hacer de Ninja que Franco Nero?”. Son de esas decisiones absurdas pero que molan porque, como todo el mundo sabe, un actor italiano de spaghetti-westerns y que venía de protagonizar una explotation italiana de “Tiburón” es ideal para hacer de ninja. Y así parieron “La justicia del ninja” (1981).

La saga “ninja” se convirtió en una plataforma para intentar lanzar a Sho Kosugi. El nipón ejerció de villano en la primera parte; en la secuela, “La venganza del ninja” (1983), se convirtió en el héroe mientras quería lanzar infructuosamente a su hijo Kane (¿te suena de algo, Will Smith?). Para la tercera entrega, “Ninja III: la dominación” (1984), Kosugi apareció en la última media hora para derrotar el espíritu de un ninja malvado que había poseído a una chica. El film mezcla elementos de “El exorcista” con momentazos como cuando a la chica casi se la traga su armario, ¿les suena?. Queda claro que en la Cannon sentían un total desprecio por la continuidad, como los cómics de DC.

El siguiente paso de la Cannon fue unirse al que sería uno de los pilares de la compañía, Charles Bronson. Coprodujeron la segunda aventura del arquitecto justiciero Paul Kersey, “Yo soy la justicia” (1982). En Paramount no le veían más futuro a las andanzas de Kersey, pero en la Cannon sí. Esta manía de comprar derechos de sagas moribundas sería una constante en su historia. El futuro de la saga pasó por darle el “toque Cannon”; esto no era otra cosa que aumentar el nivel de facherío y violencia a niveles risibles. A partir de ahora Bronson limpiaría las calles a bazokazo limpio si hacía falta como en “El justiciero de la noche” (1985), pues como debe ser. A mí me gustaría hacer lo mismo en un concierto de Pitbull o Abraham Mateo. El por qué llamaron en nuestro país a la peli “El justiciero de la noche” cuando es más diurna que sus predecesoras es de esas preguntas que me temo que no tienen respuesta.

En esta primera etapa se dedicaron a picar de allí y allá, sacando comedietas como “El último americano virgen” -1982- (que no deja der ser una especie de remake de “Polo de limón”); pelis insulsas de aventuras (“La dama perversa” -1983- ) y distribuyendo basuras “top” como “El tesoro de las cuatro coronas” (1983), aventuras italianas a lo Indiana Jones en 3D y con Ana Obregón (sí, Ana Obregón y 3D juntos, el horror); “El desafío de Hércules” (1983) o cómo Luigi Cozzi convirtió al mítico héroe griego en una explotation de “Conan” para mayor gloria de Lou Ferrigno y Sibyl Danning; y la multiganadora de los Razzies “Bolero” -1984- , con John Derek mostrándonos lo buena que estaba su señora Bo acompañada de Ana Obregón.

A estas alturas ya ha quedado claro que Golam-Globus tenían mal gusto, peor criterio y aun peor olfato comercial.

1984 fue el año del despegue. Y eso que la cosa no empezó bien pues produjeron “El caballero verde”. En otro alarde de visión comercial, adaptaron esta historia artúrica con la misma dosis de emoción que las Páginas Amarillas y llenaron el reparto con viejas glorias como Trevor Howard y Peter Cushing, le sumaron un Sean Connery en horas más bajas que la valoración de los políticos y para hacer del prota, Sir Gawain, el director quería a Mark Hamill.  La Cannon, como si fueran los Charlotte Bobcats, en vez de fichar a Luke Skywalker ficharon a… Ator. Sí, Miles O’Keeffe y su inenarrable peluca fueron la cabeza de cartel por lo que no es de extrañar la hostia que se dieron en taquilla.

Pero el éxito estaba a la vuelta de la esquina. Y no lo consiguieron con ninjas, justicieros urbanos o héroes medievales. La clave estaba en darle a la muchachada aquello que estaba de moda y así nació “Breakin’”. La peli narraba la historia de una chica y dos chicos, que tras conocerse descubrieron su pasión común por el breakdance. Aunque vista hoy la película da cosa, fue el mayor triunfo del estudio. Costó poco más de 1 millón de dólares y recaudó en EEUU 38 millones, lo mismo que “Terminator”; y acabó en el “top 20” del año en la taquilla americana. Si el dato es bueno o malo lo dejo a su criterio.

Lo mejor es que generó una rápida secuela que posee el mejor título de la historia del cine, “Breakin’: Electric Boogaloo”. En ella, la protagonista que en la primera parte trabajaba en un restaurante de comida rápida y conducía una tartana, ahora es hija de un millonario. También mantiene una relación con uno de sus dos amigos de “Breakin’”, algo que ni se insinuaba en la misma. Su amigo gay desapareció de escena (un sueldo menos) y al otro protagonista, le buscaron una novia latina (por aquello de la diversidad cultural) con una voz en VO que recomiendo escuchar. La escena cumbre es cuando los protas montan un número de baile en un hospital, quirófano incluido en medio de una operación. En definitiva, obra maestra.

Pero el gran acontecimiento del año Cannon fue la unión con un actor marcial, de barba cerrada, rostro inexpresivo y con una ideología que convierte a Intereconomía en un canal de sucios perroflautas comunistas. La Cannon decidió que la guerra del Vietnam no había acabado y para acabarla mandaron allí a Chuck Norris, que estaba “Desaparecido en combate”. Rodaron dos películas simultáneamente que debían estrenarse en orden cronológico: primero Braddock las pasaba putas en un campo de prisioneros vietmanita; y luego, de vuelta a casa, sería enviado a Vietnam para liberar a sus compañeros.

Pero Stallone empezó a rodar “Rambo” y la Cannon dio prioridad a la aventura de rescate de Braddock y así, la que iba a ser la segunda parte se convirtió en “Desaparecido en combate” y la que iba a ser la primera pasó a ser “Desaparecido en combate 2”. Vamos que es una secuela que en realidad es una precuela. Eso es un regate y no lo que le hizo Romario a Alkorta.

Como los resultados en taquilla fueron buenos, la unión Cannon-Chuck siguió dejando joyas como “Invasión USA” (1985), con Chuck frenando una invasión de terroristas comunistas liderados por el gran Richard Lynch; “Delta Force” (1986), un remake encubierto y pasado de rosca de “Operación Relámpago” con un reparto que alternaba con total naturalidad a ganadores del Oscar como Lee Marvin, George Kennedy, Martin Balsam o Shelley Winters, con aportaciones europeas como Hanna Schygulla y Bo Svensson y para hacer de villano a todo un superviviente de la serie B como Robert Foster; y “El templo del oro” (1986), con Chuck haciendo de Indy porque matar comunistas, palestinos y vietnamitas también cansa.

En esos años de esplendor, la Cannon reveló un plan maligno que amenazaba con cambiar la humanidad, ganar el Festival de Cannes. Se pusieron a ello espoleados por los alemanes, que en 1984 le dieron el Oso de Oro a “Corrientes de amor”, la cinta que le produjeron al Cassavettes. Ese mismo año presentaron “Los amantes de María” de Andrei Konchalovsky a Venecia y obtuvieron buenas críticas.

En ese infructuoso asalto a la Palma de Oro usaron “El tren del infierno” (1985), la mejor película de la compañía y con la que obtuvieron tres nominaciones al Oscar y un Globo de Oro para Jon Voight. Detrás de la cámara estaba otra vez Konchalovsky, el ruso aportó a la Cannon sus dos mejores obras. No está mal de un tipo que luego dirigiría “Tango & Cash”. Por Cannes también pasaron con “Locos de Amor” (1985) de Robert Altman; “Otello” (1986) de Franco Zefirelli, que era una ópera filmada con Plácido Domingo; y “Vidas distantes” (1987) otra vez con Konchalovsky y un resultado bastante digno.

En medio de esa vorágine festivalera a nuestros primos favoritos se les acerco uno de los mayores vividores de la historia del cine, Jean Luc Goddard. Como buen vendemotos que es, consiguió un contrato para filmar una versión de “El Rey Lear”. Al igual que el primer contrato de Messi, dicho contrato se firmó en una servilleta, pero el resultado fue totalmente contrario. Goddard se pasó la obra de Shakespeare por la huevada y contó un rollo futurista post-Chenobyl que no servía ni para presentarla a Cannes.

No todo fue fracasar, el momento álgido de la Cannon se produjo en 1986, cuando la cinta holandesa “El asalto”, que ellos distribuían, se llevó el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa. Fue un triunfo menor e indirecto, pero algo es algo.

Pero volvamos a la esencia de la Cannon. Era el turno de explotar el filón de Indiana Jones y dieron luz verde a hacer una nueva adaptación (por decir algo) de “Las minas del Rey Salomón” (1985). Allan Quatermain volvía con el rostro de Richard Chamberlain y con la compañía de una Sharon Stone pre-cruce de piernas pero que ya iba de diva por el rodaje. Cuentan las malas lenguas que por ello sufrió una “lluvia dorada” indirecta por parte de la mitad del equipo de rodaje. Vamos, que antes de rodar la escena de la olla gigante se le mearon en el agua.

El director fue J. Lee Thompson, en su día nominado al Oscar por “Los cañones de Navarone” (1961) y que, tras su participación en las infames secuelas de la saga simiesca, se dedicó en los 80 a pegarse cual garrapata a Charles Bronson para asegurar su puente a la jubilación. Otros han hecho cosas peores con el mismo fin, mirad a Mercedes Milá.

En otra muestra de innovación, la cinta anterior y su secuela, “Allan Quatermain y la ciudad perdida del oro”, fueron rodadas seguidas pero con dos directores diferentes. La secuela la hizo Gary Nelson, el hombre que metió a la Disney en el abismo negro con el ídem.

Y ahí seguían, sacando cosas como la secuela de “La matanza de Texas” (1986) e intentando  que nos familiarizáramos con los ninjas. En esta segunda intentona ninja impulsaron la carrera de otro ‘action hero’ de rastrillo, Michael Dudikoff  con “El guerrero americano” (1985), siendo eclipsado por el carisma de su compañero de cartel, el gran y malogrado Steve James. En el cartel de la película se leía esta frase: “el arte más mortal de oriente, ahora está en manos de un americano”, en el que es el mejor tagline de la historia del cine desde el de “Alien” (1979).

En su afán de diversificar, la Cannon se lanzó a producir películas infantiles. Si luchar por la Palma de Oro era raro, este giro era un doble mortal hacia atrás y con tirabuzón. Con el nombre de Cannon Movie Tales sacaron “Rumpelstiltskin”, “Blancanieves”, “La bella y la bestia” y así hasta nueve entregas de la dieciséis previstas, por lo que no es difícil de deducir que la aventura infantil fue un fracaso.

En 1985 compraron los derechos de la novela “Vampiros del Espacio” y la transformaron en “Fuerza Vital” con Tobe Hopper al mando. Publicitada a bombo y platillo fue un fracaso considerable a pesar de tener a Mathilda May todo el metraje en bolas. En vez de tomar nota de ello y relajarse, decidieron embarcarse en superproducciones en una idea tan audaz como ir de drag queen en el Valle de los Caídos un 20-N.

En 1987 la Cannon puso en marcha cuatro proyectos importantes y que fueron un sonoro fracaso. Al menos tres de ellos, porque el cuarto ni se llegó a rodar.

La Cannon había co-producido “Cobra” (1986), un éxito mediano de Sly. A Golan su trozo de tarta le pareció pequeño y se propuso rodar un éxito con el potro italiano en exclusiva. Y entonces cayó la primera ficha del dominó.

Stallone que no se fiaba nada de los “Go-go Boys” (apodo que les pusieron en Hollywood a Golan-Globus por su peligrosa tendencia a dar luz verde a cualquier proyecto mínimamente viable) y a cambio de firmar con ellos pidió un sueldazo (12 millones de dólares, “Depredador” –del mismo año-  costó 15). Golan estaba tan obsesionado que le dijo que sí a Sly en todo y además dirigió personalmente la película para que Stallone viera que el estudio estaba implicado a tope y de paso se ahorraba el sueldo del director, ya que Sly quería imponer a John G. Avildsen o a George Pan Cosmatos. Otra condición de Sly era que se rodara un guión suyo y de Stirling Silliphant, el hombre cuya discusión con el vendedor de fertilizantes Harold P. Warren dio lugar al film “Manos, The Hands of Fate” (1966), una de las pelis más chungas de la historia.

Así nació “Yo, el halcón”, que no es otra cosa que un “Rocky” camionero que se dedica a los torneos de pulsos con historia paterno-filial al fondo. Resultado: hostia terrible. Con la sangre saliendo a borbotones por la herida, la Cannon se la jugaba en los dos (en realidad, tres) grandes proyectos que tenían en marcha.

En su sana costumbre de comprar franquicias moribundas, le compraron a los Salkind los derechos de Superman. Los Salkind, tras “Superman III” y “Supergirl”, veían que las aventuras kryptonianas no daban más de sí. Pero Golan-Globus eran de los que tenían la temeraria e insana manía de abrir las puertas a cabezazos.

Contrataron al reparto original, tampoco les costó mucho dada la famosa voluntad mercenaria de Gene Hackman, el desorden mental de Margot Kidder y a Christopher Reeve le prometieron financiarle la pasable “El reportero de la calle 42” (1987). En cuanto al director, los dos Richard (Donner y Lester) dijeron: “no puedo, es que he medio quedado”. Y así cayó en manos de Sidney J. Furie.

De todos modos, había un pequeño problema sin importancia, faltaba la pasta para rodarla. Así se explican los lamentable efectos especiales (reconstrucción de Muralla China con rayos láser en todo lo alto) y que el guión original, que contemplaba la lucha de Superman con un clon, se transformara en una pelea casi barriobajera contra un hombre nuclear de rubia melena y porte gayer. Y a la vista de algunas escenas eliminadas que han visto la luz, la cosa pudo ser peor. Otro fracaso y todo pendiente del Príncipe de Eternia.

La tercera bala era una peli basada en los juguetes de Mattel “Masters del Universo”. Los Masters tuvieron el mérito de hacerse un hueco en la infancia ochentena pese a ser concebidos inicialmente como merchandising de “Conan, el bárbaro” (1982). Pero Mattel al ver la peli de John Millius, se desmarcaron del asunto, lo suavizaron y convirtieron a Conan en el ambiguo He-Man con su melenita rubia.

La fiebre de los Masters ya había pasado pero como el hombre es un animal de costumbres ahí llegó la Cannon para hacer la película. Tarde y mal, como Zubi fichando centrales.

El reparto tenía su aquel: Dolph Lundgren parecía un buen He-Man, Frank Langella era (y es) un actor muy solvente (Skeletor es uno de sus papeles preferidos); por el lado femenino estaban Chelsea Field y su culo (me alegro por Scott Bakula) y Meg Foster (con sus ojos-pecera) además de Christina Pickles y Courteney Cox unos años antes de ser madre e hija en “Friends”. Y también teníamos un gran secundario ochentero como James Tolkan. ¿Qué pasó?.

Pues qué la película era pobre en todos los sentidos. Como no había dinero para reproducir Eternia recurrieron al viejo truco de traerlos a la Tierra. Tampoco daba para hacer a Orko (que en realidad era propiedad de la Filmation y no de Mattel), pero como no podían renunciar al alivio cómico se inventaron a un enano peludo llamado Gwildor para hacer de caricato. La situación económica era tan chunga que algunos actores (Tolkan entre ellos) tuvieron que poner pasta de su bolsillo para acabarla.

De esta serie de fracasos que mataron a la Cannon, “Masters del Universo” es la más soportable pero tampoco recomendable. El fracaso comercial dejaba a la Cannon con un pie en el abismo y con el otro en el borde, pero de puntillas.

Lo curioso es que la confianza en la cinta era tal que tras los créditos Skeletor nos anunciaba que volvería y ya tenían en marcha varios aspectos de la pre-producción de la secuela. Todo ese material caía en el olvido. De momento.

Pero falta una cuarta superproducción, la puñalada invisible, el mayor “What…if” de la historia del cine (olvidaos de Tom Selleck e Indiana Jones). Llegamos al “Spider-Man” de Albert Pyun.

La Cannon compró a Marvel los derechos de Capitán América y Spider-Man. El primer director iba a ser Tobe Hopper, que andaba enfrascado en otros proyectos de la compañía; Joseph Zito (Josecito para los amigos) le relevó, que quería contar con un stunt, un tal Scott Leva, como Peter Parker; Bob Hoskins iba a ser el villano (luego pasaría a ser el Dr. Octopus en otra reescritura); Lauren Bacall o Katharne Hepburn como la tía May (gracias a Dios que no). Como si fuera Míchel, también sonó Tom Cruise para el papel de Peter.

Zito se encontró con un guión demencial. Aprovechando el éxito de “La mosca” del Cronenberg, se pensó en trasformar a Peter Parker en una tarántula gigante que lucharía contra un científico creador de animales mutantes que quería dominar el mundo. Los gritos de Stan Lee todavía retumban por toda California. Lee propuso un guión más decente pero irrealizable tecnológica y económicamente hablando. Con el presupuesto menguando a cada semana que pasaba entra en escena el temible y entrañable Albert Pyun. El director hawaiano dotado de su peculiar sentido de la épica, tenía en manos una idea más estándar, lo que es de agradecer en un hombre obsesionado con las crucifixiones y los cyborgs con dominio del Kick-boxing, que era enfrentar al trepamuros con el Lagarto y tenían en marcha varios aspectos de la pre-producción. Todo ese material caía en el olvido. De momento.

El proyecto nunca vio la luz. Todo esto no sería grave si no fuera porque la Cannon ya había vendido la película a los distribuidores antes de hacer. Ese dinero lo querían para tapar los agujeros que había creado su contabilidad creativa (más aún que la de la central nuclear de Springfield), esperando que el éxito de las tres pelis comentadas antes ayudara a financiar “Spider-Man”.

El tiempo pasó, los derechos Marvel caducaron, los distribuidores que pagaron preguntaron “¿y qué hay de lo mío?” y la Cannon tenía menos liquidez que un equipo de Segunda B.

Pero ya sólo les quedaba soltar lastre con el nombre de “El guerrero americano III”, “Alien from L.A.” o “Desparecido en combate III”.

Con el fracaso y los acreedores aporreando su puerta, todavía les dio tiempo para lanzar una película de culto entre los fans del cine chungo y a otra nueva estrella del cine de acción.

Como las películas de bárbaros estaban en decadencia, dieron luz verde, como no, a una peli a mayor gloria de los hermanos Paul. Dos gemelos con la masa muscular inversamente proporcional a su cerebro y mullets estratosféricos. Así nació “Los bárbaros” -1987- (a la que toda una generación rebautizamos como “Los hermanos bárbaros”).

¿Por qué es de culto?. Para mí lo es por la escena en la que uno de los Paul rompe una cuerda con la fuerza de su cuello, porque Richard Lynch es el villano y porque es inquietante pensar qué se les pasó por la cabeza a Golan-Globus para contratar como director a Ruggero Deodato, el de “Holocausto caníbal” (1980).

Un buen día un joven belga dio con Golan y sin mediar palabra levantó su pierna hasta ponerle la suela del zapato a medio centímetro de la cara. Hay diversas teorías sobre dónde fue tal acontecimiento, unos lo sitúan en la calle, otros en el despacho de Golan y otros en un restaurante. Esa duda es el material con que se forjan las leyendas. El caso es que Golan quedó impresionado ante tamaña muestra de talento interpretativo y así surgió “Contacto sangriento” (1988), el primer papel protagónico de Jean Claude Van Damme. Como ven, el nivel de exigencia de Golan es el mismo que el de un ligue a las 5 de la mañana.

La unión Van Damme-Cannon tuvo continuidad de la mano de Albert Pyun. ¿Se acurden del material no utilizado de “Masters 2” y “Spider-Man”?. Pues Pyun lo cogió, lo recicló y lo transformó en “Cyborg”. Sin saberlo Pyun, Van Damme y cía estaban haciendo historia porque “Cyborg” fue la última película de la Cannon en la era Golan-Globus. La peli costó 500.000$ y recaudó 10 millones.

Eso era pan para hoy y hambre para mañana. En ese momento, el distanciamiento entre los primos era tan grande, o más, que el agujero económico del estudio. Como suele pasar en estos casos, el uno acuso el otro de la mala gestión y, como suele pasar en estos casos, ambos eran responsables al 50-50. El estudio acabó bajo investigación estatal ante tanto trapiche. Globus se quedó con la Cannon y se buscó unos socios europeos y Golan montó la 21st Century Films.

Globus decidió relanzar la Cannon haciendo un film sobre el baile de moda, al estilo “Breakin’”. Sólo que la moda ahora era peor, llega la lambada. Registró la palabra “Lambada” y tiró p’alante, nacía “Lambada, fuego en el cuerpo” (1990).

Golan, por su parte, compró los derechos de la canción porque “la canción representa el verdadero espíritu de la lambada, más que la propia palabra” Golan dixit. Olfato comercial poco pero como tocahuevos no tenía rival. Y así nació “Lambada, el baile prohibido” (1990).

Se inició una carrera absurda para ver quien estrenaba antes. Más absurdo fue el final porque ambas se estrenaron el mismo día con resultados penosos. Las dos películas son evitables si se quiere gozar de buena salud mental, pero para reírse es mejor “El baile prohibido”. El guión es un “WTF?” de principio a fin, y ver a Richard Lynch bailando lambada con Laura Harring no tiene precio.

Con su nueva compañía, Golan produjo una versión de “El fantasma de la ópera” (1989) con Robert Englund de prota; el digno remake de “La noche de los muertos vivientes” (1990) dirigido por Tom Savini; le dio el gusto a Pyun de intentar resarcirse de lo de “Spider-Man” al dirigir “Capitán América” (1990), cinta que se tuvo que montar sin terminar porque se acabó el presupuesto a falta de diez días para acabar el rodaje; y puso a arrastrarse a Charles Bronson/Paul Kersey en la quinta y telefílmica entrega del justiciero, “El rostro de la muerte” (1994). La 21st Century Film cerró en 2006 pero Golan siguió produciendo y dirigiendo ya entrado este siglo. Su último film como director fue una versión de “Crimen y castigo” (2002) protagoniza por Crispin Glover, Vanessa Redgrave y John Hurt.

En cuanto a la relación con su primo, pues finalmente hicieron las paces y llegaron a coproducir alguna película en su país. Es la mejor forma de acabar la historia de un hombre que amaba el cine, pero que no tenía talento para producirlo. Pero con acierto o sin acierto, Golan y su primo hicieron cine y a mí, personalmente, me han dado horas de entretenimiento y risas (casi nunca intencionadas).

Eternamente agradecido y descanse en paz.

Rayco.

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IN MEMORIAM: ROBIN WILLIAMS

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Nació el 21 de julio de 1951 en Chicago, Illinois (USA).

Procedente de una familia acomodada, creció bajo las creencias de la Iglesia Episcopal. Estudió en Detroit Country High School y Redwood Highschool, y cursó sus estudios universitarios en Claremont McKenna. Interesado por la actuación y el mundo del humor (desde muy joven empezó a ejercer como monologuista), estudió Teatro en la Universidad de Marin y en Julliard School, donde coincidió con Christopher Reeve y tuvo como profesor a John Houseman.

En 1977 debutó como secundario en la comedia "Can I Do It 'Till I Need Glasses?" (1977) y fue actor invitado en "Con ocho basta". Ese mismo año apareció como humorista en el programa "The Richard Pryor Show". Sus apariciones en este espacio llamaron la atención de Garry Marshall, que decidió contar con él para el papel del extraterrestre Mork en un episodio de la exitosa "Días felices". Debido a la buena acogida del personaje, acabó protagonizando la sitcom "Mork y Mindy" (1978-1982), que se mantuvo 4 temporadas en antena y dio origen a la serie amada "Mork & Mindy/Laverne & Shirley/Fonz Hour" (1982). Por su interpretación en la serie recibió un Globo de oro como Mejor actor en serie de comedia en 1979.

A finales de los 70 y los largo de los 80 protagonizó tres especiales de humor para la HBO titulados "Off The Wall"(1978), "An Evening with Robin Williams" (1982) y "Robin Williams: Live at the Met" (1986).

En 1980 hizo su primer papel protagonista encarnando a Popeye en la versión cinematográfica del popular cómic, bajo la dirección de Robert Altman. En 1982 cambió de registro protagonizando el drama "El mundo según Garp", y también participó en el episodio "El príncipe encantado" de la serie "Cuentos de hadas". Posteriormente protagonizó otras comedias como "Sufridos ciudadanos" (1983), "Un ruso en Nueva York" (1984) y "Los buenos tiempos" (1986).

En 1987 se consolidó como actor con la comedia dramática "Good Morning , Vietnam" de Barry Levinson, por la que recibió su primera nominación al Oscar como Mejor actor y ganó el Globo de oro al Mejor actor de comedia.

Tras su participación secundaria en "Las aventuras del Barón Munchasen" (1988), volvió a brillar con su papel del profesor John Keating en "El club de los poetas muertos" (1989) de Peter Weir, por cuyo trabajo recibió su segunda nominación al Oscar como Mejor actor. En 1986 presentó la ceremonia de los Oscar.

En 1987 y 1988 obtuvo dos Emmys a la Mejor interpretación individual en Programa de variedades o musical por su participación en "Carol, Carl, Whoopi and Robin" y "A Royal Gala".

En 1990 fue el protagonista del drama "Despertares" y de la comedia "Cadillac Man". Además ejerció como secundario en "Morir todavía" (1990) de Kenneth Brannagh.

En 1991 recibió su tercera nominación al Oscar como Mejor actor y obtuvo el Globo de oro al Mejor actor de comedia o musical por "El rey pescador" de Terry Gilliam. Ese año encabezó el reparto de "Hook" de Steven Spielberg.

En 1992 puso la voz al Genio en "Aladdin" (y que repitió en la secuela videográfica "Aladdin y el rey de los ladrones en 1996), labor por la que recibió un Globo de oro especial. Acto seguido protagonizó comedias y películas familiares como las exitosas "Señora Doubtfire" de Chris Columbus (por la que ganó su tercer Globo de oro como Mejor actor de comedia o musical en 1993), "Jumanji" (1995) de Joe Johnston, "Una jaula de grillos" (1996) de Mike Nichols y "Flubber y el profesor chiflado" (1997), junto a otras menos populares como "Toys" (1992) de Barry Levinson,  "Jack" de Francis Ford Coppola o "Un lío padre" (1997) de Ivan Retiman.

En 1994 rodó la poco recordada "Un hombre atrapado en el tiempo" y a mitad de los 90 también ejerció como secundario o realizó cameos en "Nueve meses" (1995) de Chris Columbus, "A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar" (1995), "Agente secreto" (1996), "Hamlet de Kenneth Brannagh" (1996) y "Desmontando a Harry" (1997) de Woody Allen.

En medio de tanta actividad profesional, fue actor invitado en "Homicidio", "El show de Larry Sanders" y "Friends". En 1997 logró el Oscar y el Premio del Sindicato de Actores al Mejor actor secundario por "El indomable Will Hunting" de Gus Van Sant.

A finales de los 90 fue actor principal en "Más allá de los sueños" (1998), "Patch Adams" (1998), "Ilusiones de un mentiroso" (1999) y "El hombre bicentenario" (1999). En el siglo XXI ejerció como actor de doblaje en "Inteligencia artificial" (2001) de Steven Spielberg, "Robots" (2005), "Happy Feet" (2006) y "Happy Feet 2" (2011), y protagonizó films como "Retratos de una obsesión" (2002), "Smoochy" (2002) de Danny De Vito, "Insomnio" (2002) de Christopher Nolan,  "La memoria de los muertos" (2004), "Un golpe de suerte" (2005),"Voces en la noche" (2006), "¡Vaya vacaciones!" (2006), "El hombre del año" (2006), "Hasta que el cura nos separe" (2007), "El mejor padre del mundo" (2009), "Dos canguros muy maduros" (2009), "La mirada del amor" (2013), "Boulevard" (2014) y "The Angriest Man in Brooklyn" (2014). Por otra parte, en su faceta como actor de reparto intervino en "Delitos menores" (2004), "Noche en el museo" (2006), "August Rush (Todo por un sueño)" (2007), "Noche en el museo 2" (2009), "La gran boda" (2013) y "El mayordomo" (2013). En fechas recientes realizó apariciones especiales en las series "Ley y orden: Unidad de víctimas especiales", "Wilfred" y "Louie". Entre 2013 y 2014 protagonizó junto a Sarah Michelle Gellar la serie de comedia "The Crazy Ones", que no superó la primera temporada.

A lo largo de su trayectoria también realizó shows de monólogos como "An Evening With Robin Williams" (1982) y "Robin Williams: At The Met"(1986), discos humorísticos (por los que ganó 5 Grammys) y colaboró en videoclips como "Don't Worry Be Happy" (1988), de su amigo Bobby McFerrin (junto al que también interpretó una versión de "Come Together" de Los Beatles). En teatro protagonizó el espectáculo "Robin Williams: Live on Broadway", y las obras "Bengal Tiger at the Zoo" y "Esperando a Godot". En su tiempo libre colaboró en asociaciones benéficas como Christopher Reeve Paralisys (cuando su Reeve sufrió el accidente de equitación, él entró en su habitación disfrazado del médico de 9 meses y consiguió sacarle una sonrisa a su amigo). En lo personal, tuvo problemas con el alcohol y las drogas, y se sometió a tratamientos de desintoxicación. En el terreno sentimental, se casó en tres ocasiones: Entre 1978 y 1988 estuvo unido a la actriz Valerie Belardi, madre de su primer hijo Zack. Entre 1989 y 2010 se casó con Marsha Garces, ex-niñera de su hijo y madre de sus otros dos vástagos Zelda y Cody. Desde 2011 y hasta su fallecimiento permaneció casado con Susan Schneider. Robin Williams fue encontrado muerto en su casa de California (USA) el 11 de agosto de 2014, a la edad de 63 años. Las causas apuntan a un posible suicidio a consecuencia de la depresión que padecía. A lo largo de 2014 y 2015 veremos sus interpretaciones póstumas en las películas "Merry Frigin' Christmas" y "Noche en el museo 3: El secreto de la tumba", y su trabajo como actor de doblaje en la película "Absolutely Anything". En 2015 tenía previsto rodar "Señora Doubtfire 2", película que probablemente sea cancelada. Con su muerte, el mundo del espectáculo pierde a un gran y polifacético actor y humorista.

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DEVORADORES 2: ELECTRIC BOOGALOO: PROGRAMA 25 "CHARLANDO SOBRE LOS EMMY 2014"

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En esta ocasión repasamos los Emmy 2014 en sus categorías de interpretación, así como las de Mejor serie de comedia y drama, Mejor miniserie y Mejor telefilm. Para ello dejamos claro nuestros favoritos y los que consideramos que podrían ganar.

PARA ESCUCHAR EL PODCAST CLIQUEAD EN:

PODCAST NÚMERO 25

IN MEMORIAM: LAUREN BACALL

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Nació el 16 de septiembre de 1924 en Nueva York (USA).

A los 15 años estudió interpretación en la American Academy of Dramatic Arts. Gracias a su belleza y expresiva mirada, trabajó como modelo para revistas como Harper's Bazar. También ejerció como acomodadora de cine y en 1942 debutó como actriz en Broadway.

Su primer trabajo cinematográfico fue por la puerta grande, acompañando a Humphrey Bogart como la femme fatale de voz grave en clásico del cine negro "Tener y no tener" (1944) de Howard Hawks. Un año después intervino en la película "Agente confidencial. En 1945 se casó con Bogart (después de que él se divorciase de su tercera esposa) y ambos volvieron a formar pareja en otras obras maestras del género negro como "El sueño eterno" (1946) de Howards Hawks, "La senda tenebrosa" de Delmer Daves y "Cayo Largo" (1948) de John Huston. En 1955 el matrimonio trabajó junto por última vez en una versión de "El bosque petrificado" realizada para un episodio de la serie "Producer's Showcase", y en la que también coincidieron con Henry Fonda.

A lo largo de los 50 intervino en films como "El trompetista" (1950) y "El rey del tabaco" (1950) de Michael Curtiz, "Cómo casarse con un millonario" (1953), "El mundo de las mujeres" (1954), "La tela de araña" (1955), "Callejón sangriento" (1955), "Sombra enamorada" (1958) y "La India en llamas" (1959). A finales de la década volvió a brillar protagonizando el melodrama "Escrito sobre el viento" (1957) de Douglas Sirk y la comedia "Mi desconfiada esposa" (1959) de Vincente Minnelli.

En 1957 enviudó de Humphrey Bogart, fallecido el 14 de enero de ese año, a la edad de 57 años y a consecuencia de un cáncer de esófago. La pareja tuvo dos hijos llamados Stephen (productor) y Leslie.

Tras superar una depresión a causa de la muerte de su esposo, en los 60 espació sus apariciones y únicamente intervino como secundaria en "La pícara soltera" (1964),  "Tratamiento de shock" (1964) y "Harper, investigador privado" (1967). Además hizo colaboraciones como actriz invitada en las series "Dr. Kildare" y "La hora de los famosos", y participó en la obra "Flor de cactus"  (1965-68).

Entre 1961 y 1969 estuvo casada en segundas nupcias con el también actor Jason Robards, padre de su hijo Sam Robards (intérprete y productor).

Tras un periodo de retiro de las pantallas, en 1973 reapareció con el telefilm "Applause" (versión musical de "Eva al desnudo" (1950), que ya le había reportado un Tony a la Mejor actriz de musical en 1970) y como actriz de reparto en "Asesinato en el Orient Express" (1974) de Sidney Lumet y "El último pistolero" (1976) de Don Siegel. En 1979 colaboró en dos episodios de la serie "Los casos de Rockford".

En 1980 actuó en la comedia coral "Salud" de Robert Altman, y obtuvo su segundo Tony a la Mejor actriz de musical por la obra "La mujer del año" (1981-83) en Broadway. En 1981 protagonizó "El admirador". A finales de los 80 y durante la década de los 90 ejerció como secundaria de lujo en films como "Cita con la muerte" (1988), "Mr North" (1988), "Misery" (1990) de Rob Reiner, "Todo lo que quiero para Navidad" (1991), "Pret-a-porter" (1994) de Robert Altman, "Mis queridos compatriotas" (1996), la francesa "El día y la noche" (1997), la española "El celo" (1999) o "Diamonds" (1999). En 1996 recibió su primera nominación al Oscar como Mejor actriz secundaria por la comedia "El amor tiene dos caras", dirigida y protagonizada por Barbra Streisand. A pesar de que ganó el Globo de oro y el Premio del Sindicato de Actores a la Mejor actriz secundaria, el Oscar fue para Juliette Binoche por "El paciente inglés".

En la pequeña pantalla participó en telefilms como "Cena a las ocho" (1989), "El retrato" (1993) y "La vida secreta de Doris Duke" (1999), y en 1998 actuó en dos episodios de la serie "Chicago Hope". En el siglo XXI siguió trabajando como secundaria en "Dogville" (2003) y "Manderlay" (2006) de Lars Von Trier, así como en otros títulos poco relevantes como "Reencarnación" (2004),"This Foolish Things" (2005), "The Walker" (2007), "Wide Blue Yonder" (2010) y "The Forger" (2012). Su última película como protagonista fue "The Limit" (2007). También fue actriz de doblaje en las versiones dobladas al ingles de "El castillo ambulante" (2004) de Hayao Miyazaki y de la francesa "Ernest y Célestine" (2012). En 2014 puso su voz en un episodio de "Padre de familia". Su carrera teatral se completó con las obras "Adiós, Charlie" (1959), "V.I.P. Night in Broadway" (1979), "Dulce pájaro de juventud" (1985), "The Visit" (1995), "A Celebration" (1996) y "Waiting in the Wings" (2000). En su última etapa recibió premios honoríficos como el Premio Donostia en el Festival de San Sebastián de 1992, el Globo de oro Cecil B. DeMille en 1993, el César en 1996, la Cámara de la Berlinale en el Festival de Berlín en 1997 y el Oscar en 2009. Hay que señalar que fue autora del libro "The Dakota Scrapbook", y que fue entrevistada habitualmente en documentales sobre el cine clásico, el género negro o sobre Humprey Bogart (siendo el más destacado "Bacall sobre Bogart" en 1988). Lauren Bacall falleció el 12 de agosto de 2014, en Nueva York (USA) y a la edad de 89 años y a consecuencia de un derrame cerebral. Con su muerte, Hollywood pierde a otro de sus últimos mitos de los años 40 y 50.

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DEVORADORES 2: ELECTRIC BOOGALOO: PROGRAMA 25: "CHARLANDO SOBRE LOS EMMY"

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En esta ocasión repasamos los Emmy 2014 en sus categorías de interpretación, así como las de Mejor serie de comedia y drama, Mejor miniserie y Mejor telefilm. Para ello dejamos claro nuestros favoritos y los que consideramos que podrían ganar.

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PODCAST NÚMERO 25

RECUERDOS IMBORRABLES DE UNA INFANCIA MONSTRUOSA: POR DAVID GARCÍA

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Esta octava edición de "Recuerdos de oro" la inaugura David García (Zaragoza, 1973). Nuestro autor invitado colabora como editor y director del  fanzine "Monster World". También ha participado en diversos fanzines y publicaciones relacionadas con el género fantástico y de terror  entre las que se encuentran  "Data", "Cineguias MP", "El buque maldito", "Amazing Monsters"o "Scifiworld". Ha sido colaborador de la Muestra de Cine Fantástico y de Terror de Castellon (Fantcast), y ha escrito en el colectivo "Juan Piquer Simón, mago de la serie B" editado por Museo Fantástico (2011). En el apartado audiovisual ha dirigido el documental "Gritos de terror en el tren, los secretos de rodaje de Pánico en el transiberiano" (2008). En 2012 comienza una nueva aventura editorial formando junto a Julio Sari y Jesus Bernal la editorial independiente SHOCK ediciones , publicando, además de "Monster World", el comic "Bizarro presenta" y el primer fanzine on-line digital dedicado al maestro del stop-motion Ray Harryhausen "Los tesoros de Colosssa". Actualmente prepara el cortometraje "El último guión", un homenaje a la saga de los Templarios de Amando de Ossorio, que tendrá como protagonista a Lone Fleming.

RECUERDOS IMBORRABLES DE UNA INFANCIA MONSTRUOSA: POR DAVID GARCÍA:

El amigo Alex Medina me pide que retroceda en el tiempo.

Que bucee en mis recuerdos en busca de aquellos momentos que marcaron mi niñez. Haciendo un ejercicio de sinceridad y retroalimentando mis propios recuerdos, siempre guardados con cariño en ese baúl que es el subconsciente de nuestra inocente y añorada infancia. Como extraídos de ese mundo de ensueño surgen flashes, momentos imborrables y un buen puñado de imágenes y sonidos que vislumbran en mi memoria y que regresan en ocasiones para recordarme el porqué de mis pasiones.

Curiosamente todo está relacionado con lo fantástico, la fantasía y mi amor por el cine y el cómic.

Desde que tengo uso de conciencia siempre estuve rodeado de cómics. Los mismos que mis hermanos me escondían para que no se los “estropeara”. Yo soy de los Marvel pero sobre todo del cómic de Terror. Viví la época Vértice, mis preferidos eran los 4 Fantásticos.

Adoro a Jack Kirby. Devoraba los Spiderman, Vengadores y tantos otros. Los compaginaba con los "Vampus", "Rufus", "Dossier negro"... y entrando en los 80 ya fue la gran fiesta con la aparición de Forum y todo Marvel en color. Seguía todo lo que se publicaba!!...pero con la llegada del cómic europeo y cumplidos los 17 descubrí la fabulosa “1984” y me enamore de Frazzeta, Corben, Wrightson, Enric, Sanjulian, Carlos Jimenez. Recuerdo en clase salir a la pizarra, en esos momentos en los que el profesor tenía que ausentarse de repente, y dibujar un zombie con tiza devorando un sabroso cerebro con la consabida reprimenda del profe. En el colegio yo era “el dibujante”. Todos querían que les dibujase un monstruo en el cuaderno. Tuve esa fama hasta abandonar la EGB he incorporarme a la vida laboral. Hoy en día es un hobby que sigo practicando, muy de vez en cuando.

Fue la época de los álbumes de cromos de cartón “Mundos Desconocidos”, “Mazinguer Z”, “Galactica”... los sobres de Montaples, las tardes con el Cinexin.

Yo siempre lo digo. Cuando de pequeño me preguntaban que quería ser de mayor yo respondía dibujante de cómics o creador de monstruos. Dibujaba cómics de superhéroes y de terror con mi primo, el ilustrador Julio Sari. Teníamos series propias y la gozábamos creando las historias todas las semanas. Mi otra pasión por los efectos especiales de maquillaje viene de mucho antes.

Mi primer recuerdo relacionado con el cine fantástico es televisivo, y todo se lo debo a ese maestro que es Chicho Ibáñez Serrador. Me estoy refiriendo al ciclo que emitió TVE en 1982 llamado “Mis terrores favoritos”. No me perdía ninguna de las películas programadas. Recuerdo como si fuera hoy como en el salón de casa de mis padres había una gran mesa de madera, de aquellas con dos patas grandes y robustas. Pues bien... yo me acomodaba debajo de dicha mesa, apoyado en una de las patas y con un cojín en las posaderas. La inquietante música y rótulos del comienzo ya me dejaban abducido, cuando aparecía ese señor de barbas y gafas de pasta con su socarrón humor negro ejerciendo cual maestro de ceremonias, todo indicaba a que iba a pasarlo gratamente mal. Por primera vez descubrí “Pánico en el transiberiano” (1972), “La mujer y el monstruo” (1954), “No profanar el sueño de los muertos” (1974), “Drácula vuelve de la tumba” (1968), “El hombre con rayos x en los ojos” (1963)..y tantas otras.

Pero mi curiosidad quería indagar en como se realizaban esas criaturas. Descubrí mucho tiempo después las técnicas empleadas en publicaciones extranjeras (claro) como Fanforia o Starlog. Realicé mis primeros “experimentos”, incluso intenté rodar un corto que al final se tuvo que desertar por falta de equipo técnico, que no ganas.

Hoy sigo emocionándome con lo mismo que cuando era niño. Me mantengo firme a mis gustos y creencias, imborrables en paso del tiempo.

Gracias Alex por permitirme volver a recordarlos.

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RECUERDOS DE ORO: POR RAIN CROSS

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Nuestra segunda autora invitada es Rain Cross, una de las escritoras habituales de la web http://youarewriter.wordpress.com/

RECUERDOS DE ORO: POR RAIN CROSS:

Recuerdo las luces apagadas. Tendría unos cuatro o cinco años, y estaba jugando con una amiga mientras nuestras madres veían la televisión. De repente, mi atención se centró en la pantalla; la acción transcurría en un cine, y la gente disfrutaba de una película sobre demonios que se convertía en realidad. "Demons" (1985)’, de Lamberto Bava fue la primera película de terror que me viene a la memoria. Le siguieron "Poltergeist" (1982)’, "Terror en Amityville" (1979)’ y un largo etcétera hasta la fecha. Y es que desde que mis ojos se encontraron con la máscara de plata demoníaca, no pude sentir más que fascinación por el mundo de las tinieblas.

‘Gremlins" (1984)’, "Regreso al Futuro" (1985), "En busca del arca perdida” (1981) y "Los Cazafantasmas" (1984) eran de mis sagas favoritas, y aún les tengo un cariño especial.

Tampoco puedo dejar de lado la fantasía épica. Cómo olvidar a David Bowie como rey de los Goblins en "Dentro del Laberinto" (1986) o el «Como desees» de "La princesa prometida" (1987). Todos queríamos que Ártax escapara de las arenas movedizas en "La Historia Interminable" (1984) y que Jack rescatara a Lilly del Señor de las Tinieblas (inolvidable ese gran demonio rojo de cuernos negros) en "Legend" (1985). Películas que te adentraban en mundos donde monstruos, dragones, caballeros y princesa luchan por el amor, la justicia y la verdad.

Los extraños y oscuros mundos de Tim Burton también estuvieron muy presentes en mi niñez, y es que, en cuanto salía del colegio, muchas tardes de aburrimiento eran amenizadas gracias "Beetlejuice" (1988)’ y "Eduardo Manostijeras" (1990).

Mi madre siempre leía novelas de terror, por lo que por casa siempre podías encontrar uno de los libros del maestro Stephen King, su autor favorito, sobre algún mueble. Y claro está, veíamos todas las películas basadas en sus novelas. Mi hermano mayor siempre me asustaba escondiéndose detrás de las cortinas y recitando a Pennywise en "It" (1990), «Todos flotan —decía—. Y tú también flotarás.»

Y llegamos a los zombis. Sí, esos muertos putrefactos que devoran carne humana. Una tarde los descubrí a través de la mítica canción de Michael Jackson "Thiller" (1983). Al principio me asustaron; esa atmósfera lúgubre del vídeoclip, y esos seres que querían atacar al cantante y se unían a él en una de las coreografías más imitadas. Pero había algo interesante en ellos. Mi madrina me regaló el "Así se hizo", VHS que aún conservo, y con el que les perdí el miedo. Veía a los jóvenes bailarines y al mismísimo Jackson transformarse en zombis gracias a la magia del maquillaje. Y pasaron a ser mis monstruos favoritos.

Mi infancia ha sido una mezcla de magia, zombis y fantasmas. Una mezcla que estará siempre muy presente en mi vida.

Rain Cross.

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DEVORADORES 2: ELECTRIC BOOGALOO: PROGRAMA 26: "GUARDIANES DE LA GALAXIA Y OTROS GRUPOS DE SUPERHÉROES"

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Con el estreno de "Guardianes de la galaxia" (2014) de James Gunn, despedimos las adaptaciones de Marvel al menos por este año y comentamos la película y sus diferentes versiones en cómic. También repasamos las anteriores propuestas de Gunn relacionadas con el mundo de los superhéroes con las comedias "The Specials" (2000) y "Super" (2000). Al mismo tiempo comentamos otras adaptaciones relacionadas con grupos de superhéroes o justicieros como "KISS contra el fantasma del parque" (1978), "Mystery Men" (1999), "La liga de los hombre extraordinarios" (2003), "Watchmen" (2009) y las dos entregas de "Kick-Ass" (2010 y 2013). Finalmente nos adentramos en el universo de los superhéroes de la vida real con el documental "Superhéroes" (2011) de la HBO, y ahondamos en este extraño fenómeno.

PARA ESCUCHAR EL PODCAST CLIQUEAD EN:

PODCAST NÚMERO 26


COMO DUMBO CAMBIÓ MI INFANCIA: POR ELENA SAAVEDRA SILES

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Nuestra tercera y última autora invitada de esta edición es Elena Saavedra Siles, co-directora de la web Your Are Writter y autora del libro "La prueba" (2014).

COMO DUMBO CAMBIÓ MI INFANCIA: POR ELENA SAAVEDRA SILES:

Cuando tenía 6 años vi por primera vez la película de "Dumbo" (1941), el elefante que podía volar con sus orejas. Al principio no me llamó mucho la atención e incluso tuve miedo, hasta que me di cuenta del porqué de mi reacción. Era casi como mirarme al espejo, ese pequeño elefante tenía esas grandes orejas por las que todo el mundo se reía y yo tenía mis pies metidos hacia dentro como si fuera un pingüino y todos se reían de él.

A igual que Dumbo mi infancia no fue llena de mariposas, por las noches tenía miedo de dormirme aún oía gritos dentro de mi cabeza, como si jamás se fueran a ir de allí. Como si las imágenes difusas de Dumbo yo también tenía las mías, jamás supe interpretarlas, pero el miedo que sentía era demasiado real para ser sólo un sueño.

Es una historia que me ha marcado, sin ni siquiera yo saberlo pues hasta ahora que no me paro en analizar qué película me ha llegado más, no me he dado cuenta de la historia que tenía detrás esta película, y eso me hace pensar que he estado viendo elefantes rosas bailando todo el tiempo para no ver la realidad.

Pero la oscuridad no dejó a Dumbo desolado, tuvo la ayuda de alguien a igual que yo y pudo hacer su sueño realidad al igual que yo. Supongo que es su historia la que me hizo darme cuenta que a pesar de lo que hayas perdido, o de la oscuridad en la que me hubieses visto envuelto en el pasado es posible sonreirle a la vida y volar.

El baile con los elefantes rosas aún me atormenta algunas noches, la pérdida de un ser querido me persigue, la oscuridad me inunda en la noche, las pesadillas se apoderan de mí, pero siempre puedo recordar a aquella persona que de verdad estuvo ahí y mirar a los pies y estar agradecida por poder levantarme y caminar aunque sea como un pingüino es todo lo que deseo, y nada más. Bueno quisiera poder correr sin tropezarme o cansarme, pero pudiendo volar con la mente, ¿quién necesita correr? Me digo a mí misma muchas veces cuando la negatividad se apodera de mí. Me recuerdo las cosas buenas de mi vida, los retazos de esperanza a Dumbo volando y olvidando todas las burlas, olvidando el pasado y mirando al futuro.

Así que de esta historia aprendí que luchar con la risa es la única forma de vencer a los miedos de cada uno, de vencer a las pesadillas y de dejar el pasado atrás. No siempre será fácil, nunca lo ha sido, pero jamás me rendiré. Sería como si Dumbo se hubiera rendido antes de poder volar, así que atrás dejaré los elefantes rosas y me concentraré en una única cosa: en volar con mi mente. En  luchar cada día, en mi propia lucha, como la que tenemos todos. No es más ni menos. Es la vida. Es lo que aprendes con ella. Aprendes a vivir de verdad, a recordar sólo la felicidad, por muy pequeña que a veces pueda parecer, por mucha oscuridad que pueda ocultarla, allí estará en algún rincón de ti mismo la manera de ser feliz, de seguir adelante.

Ahora que recuerdo esta película no me vienen a mi mente malos recuerdos sino como esta historia me ayudó a superar un miedo, el miedo a ver la realidad y como al final siempre hay un atisbo de luz en medio de la nada.

Elena Saavedra Siles.

IN MEMORIAM: RICHARD ATTENBOROUGH

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Nació el 29 de agosto de 1923 en Cambridge (G.B.).

Su padre era director de la Universidad de Leicester, lugar donde creció junto a sus hermanos: David Attenborough (célebre naturalista, documentalista y explorador) y John Attenborough (director de Alfa Romeo).

Sirvió en la Fuerza Aérea durante la Segunda Guerra Mundial. Estudió Arte Dramático en la Real Academia y a principios de los años 40 inició su carrera en el cine británico debutando como secundario en el film bélico "Sangre, sudor y lágrimas" (1942) de Noel Coward y David Lean. A lo largo de la década fue actor de reparto en "A vida o muerte" (1946) e "Historia de una cobardía" (1947), película con la que empezó a alcanzar la popularidad, y a la que siguió su rol protagonista en el thriller "Brighton, parque de atracciones" (1947).

En 1949 fue actor de reparto en la película bélica "The Lost People". Posteriormente reincidió en este género con "Salida al amanecer"(1950) y protagonizando "Comando de la muerte" (1958). En 1951 intervino en la superproducción "The Magic Box", y en 1959 acompañó a Peter Sellers en la comedia "Estoy bien, Jack". Acto seguido protagonizó "S.O.S Pacífico" (1959) y "Amarga silencio" (1960). En 1960 participó en "Objetivo: banco de Inglaterra". En 1962 volvió a secundar a Peter Sellers en "Juego para dos", y compartió reparto con Patrick McGoohan en "Noche de pesadilla".

En 1963 se unió al reparto coral de la norteamericana "La gran evasión" de John Sturges, donde encarnó al Bartlett. Aunque siguió vinculado al cine británico con films como "Plan siniestro" (por cuya interpretación ganó el BAFTA y el Premio del Festival de San Sebastián al Mejor actor y el 1964), "Los pecados de la señora Blossom" (1968), "Si quieres ser millonario no malgastes el tiempo trabajando" (1968), "La última explosión" (1970) y "El botín" (1970), se convirtió en una secundario imprescindible en el cine norteamericano con películas como "El vuelo del Fénix" (1965) de Robert Aldrich, "El Yang-tse en llamas" (1966), "El extravagante Dr. Doolitte" (1967) y "El clan de los inmorales" (1968). En 1967 fue ordenado Caballero de la Orden del Imperio Británico.

En 1971 logró una de sus interpretaciones más memorables como el asesino John Christie en el thriller  británico "El estrangulador de Rillington Place" de Richard Fleischer. A mediados de los 70 actuó una coproducción que adaptaba de "Diez negritos" de Agata Christie, y secundó a John Wayne en el film policíaco "Brannigan".

Luego siguió ejerciendo como actor de reparto en "Rosebud" (1975), "Culpable sin rostro" (1975) y "Los jugadores de ajedrez" (1977), y en 1979 protagonizó el thriller "El factor humano" de Otto Preminger. Desde finales de los 60 también inició una carrera paralela como director y productor con films como "¡Oh, qué guerra tan bonita!" (1969), "El joven Winston" (1972), la superproducción bélica "Un puente lejano" (1977) y "Magic" (1978).

Su consagración como realizador llegó con la aclamada "Gandhi" (1982), por la que ganó dos Oscar y dos BAFTA a la Mejor película y al Mejor director, y obtuvo el Globo de oro y el Premios del Sindicato de Directores como Mejor realizador. Su labor en la dirección prosiguió en los 80, 90 y en el siglo XXI con títulos como "Chorus Line" (1985), "Grita libertad" (estrenada en 1987 y por la que ganó la Cámara de la Berlinale en el Festival de Berlín de 1988), "Chaplin" (1992), "Tierras de penumbra" (por la que obtuvo el BAFTA el Mejor film británico en 1993), "En el amor y en la guerra" (1996), "Búho Gris" (1999) y "Cerrando el círculo" (2007).

En 1993 volvió a ganar popularidad como intérprete para las nuevas generaciones con su papel del Profesor John Hammond en "Parque jurásico" (1993) y "El Mundo Perdido" (1997) de Steven Spielberg. En 1994 protagonizó el drama familiar navideño "Milagro en la ciudad" (1994). Entre sus últimos trabajos como actor de reparto figuraron los largometrajes "Hamlet de Kenneth Brannagh" (1996) y "Elizabeth" (1998), y los telefilms "Los niños del tren" (2000) y "Jack y las habichuelas mágicas: la historia real" (2001). En su tiempo libre se dedicó a diversas labores humanitarias. En 2004 sufrió el fallecimiento de su su hija Jane y de su nieta Lucy a causa del Tsunami que tuvo lugar en Tailandia cuando él se encontraba de vacaciones con su familia. En lo personal, desde 1954 y hasta su fallecimiento, estuvo casado con la actriz Sheila Sim, madre de sus tres hijos (la fallecida Jane, el director teatral Michael y la actriz Charlotte). Richard Attenborough falleció el 24 de agosto de 2014 en Cambridge (G.B.), a la edad de 90 años.

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IN MEMORIAM: PERET

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Pere Pubill Calaf, conocido artísticamente como "Peret", nació el 24 de marzo de 1935 en Barcelona (España).

Desde niño acompañó a su padre vendiendo telas por Barcelona y Baleares. Siendo muy joven se interesó por el cante gitano y aprendió a tocar la guitarra. A los 12 años creó el dúo Los Hermanos Montenegro junto a una prima suya.

En 1947 grabó su primer disco, que pasó bastante desapercibido, y durante un tiempo viajó a Argentina para proseguir vendiendo sábanas. A su regreso a Barcelona, empezó a actuar en locales de la costa catalana en los que fue ganando su popularidad. A mediados de los 60 actuó en el tablao flamenco El Duende de Madrid, donde destacó gracias a sus versiones de temas como "El muerto vivo", del colombiano Guillermo González Arenas. Convertido en uno de los artistas que popularizaron la rumba catalana, fusionó este género con la música cubana, e incluso con el rock.

En 1967 grabó "Peret 1967", y en 1968 llegaron "Rumba pa' ti" y "Una lágrima", tema que se convirtió en un éxito veraniego. También lanzó álbumes como "Lamento gitano" y "Gipsy rumbas" en 1969, y se convirtió en una de los reyes de la rumba y la música popular gracias a temas alegres como "El gitano Antón", "Don Toribio Carambola", "Saboreando", "¡Lo mato!", "Si fulano fuese mengano", "Chaví",  "Qué cosas tiene el amor", "A mí las mujeres ni fu ni fa", "Castigadora" o "Tracatrá".

En 1971 logró un nuevo triunfo con "Borriquito", que no sólo fue popular en España, sino que también fue un hit en hispanoamérica, Holanda o Alemania. En 1974 representó España en el Festival de Eurovisión con "Canta y sé feliz", con la que obtuvo 10 puntos y quedó en décima posición.

Sus siguientes trabajos discográficos (algunos de ellos producidos por él mismo) fueron "Una lágrima 1972" (1972), "Mi santa"(dedicado a su esposa Fuensanta y lanzado en 1973), "Lo mejor de Peret" (1974), "Peret y sus gitanos"(1974), "Canta y sé feliz" (1975), "Lágrimas negras" (1978), "El joven Peret" (1979), "El jilguero" (1980) y "De coco a la paja" (1981).

Al margen de estos trabajos, también llevó a cabo una carrera paralela como actor, debutando en el musical "Los Tarantos" (1962) de Francisco Rovira Veleta, donde encarnó a un guitarrista. Luego se interpretó a sí mismo en "Las cuatro bodas de Marisol",(1967), y dio vida a un guitarrista en "Un día después de agosto" (1969) . En 1969 formó parte del reparto coral de "El taxi de los conflictos" de Mariano Ozores y José Luis Saenz de Heredia, y participó en el surrealista especial televisivo "El irreal Madrid" de Valerio Lazarov. A finales de los 60 y comienzos de los 70 protagonizó cuatro películas musicales: "Amor a todo gas" (1969), "El mesón del gitano" (1970), Si fulano fuese mengano" (1971), "A mi las mujeres ni fu ni fa" (1971) y "¡Qué cosas tiene el amor" (1973), en las que se interpretó a sí mismo o encarnó a cantantes con otros nombres, pero que era un fiel reflejo de su figura.

En 1982 decidió abandonar su carrera musical al ingresar en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia, donde ejerció labores religiosas bajo el nombre de Hermano Pedro.

En 1991 cesó su actividad pastoral y regresó a la música con su propio sello discográfico. Su álbum de regreso fue "No se pue aguantar" (1991). Ese mismo año compuso el tema "Bésame", que fue interpretado por su sobrino Joel en el Festival de la OTI.

En 1992 interpretó "Gitana hechicera" en la Ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92, donde estuvo acompañado por Los Manolos y Los Amaya. La canción fue un éxito veraniego y dio pie al recopilatorio "Rumbas de la clausura" (1993). E los 90 grabó otros tres discos: "Como me gusta" (1993), "Que disparen flores" (1995) y "Jesús de Nazareth" (1996). En 1996 regresó a la actuación con la película "Alma gitana", a la que siguieron "Marujas asesinas" (2001) y "Lazos rotos" (2008), así como apariciones especiales en las series "Todos los hombres sois iguales" (1998) y "Pelotas" (2009).

En 2000 grabó "El Rey de la Rumba", un disco de duetos en el que colaboró con artistas como Jarabe de palo, Carlos Jean, Los Enemigos, Tonino Carotone, Manuel Malou, Ojos de brujo, Estopa, Macaco o David Byrne (del grupo Talking Heads). En 2007 interpretó la canción "Me'n vaig a peu" dentro del disco homenaje a Joan Manuel Serrat titulado "Per al meu amic Serrat". Ese año Joaquín Sabina y Serrat lo homenajearon incluyendo una versión de "El muerto vivo" en su gira "Dos pájaros a tiro". Para sorpresa de los fans, Peret interpretó la canción junto a ellos en el primer concierto de Barcelona celebrado en el Palau Sant Jordi.

En 1997 también realizó una versión en catalán de "Life is Life" de Opus titulada "Vine amb mi", que se incluyó dentro del disco colectivo "La Mataró de TV3". Sus dos últimos trabajos discográficos fueron "Que levante el dedo" (2007) y "De los cobardes nunca se ha escrito nada" (2009). En 2008 actuó en el programa "No disparen al pianista" junto a Kiko Veneno, Raimundo Amador y Muchachito Bombo Infierno. Su carrera artística se completó con diversos recopilatorios, Hay que señalar que también ejerció como presentador de televisión y radio. En lo personal, permaneció casado con su esposa Fuensanta, madre de sus hijos, hasta su fallecimiento. Peret falleció el 27 de agosto de 2014 en Barcelona (España), a la edad de 79 años y  a consecuencia del cáncer de pulmón que le habían diagnosticado en fechas recientes.

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LAS ACTRICES SECUNDARIAS DEL CINE DE LOS 80

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En este artículo hemos hecho un repaso por diversas actrices secundarias habituales en el cine de los años 80.

CYNTHIA RHODES: "FLASHDANCE" (1983), "STAYING ALIVE: LA FIEBRE CONTINUA" (1982), "RUNAWAY: BRIGADA ESPECIAL" (1984) Y "DIRTY DANCING" (1987):

Nació el 21 de noviembre de 1956 en Nashville, Tennessee (USA).

Creada en el seno de una familia baptista, compaginó sus estudios en el Instituto Glencliff con su trabajo como cantante y bailarina en el parque de atracciones Opryland USA. En 1976 debutó en el programa "Music Hall America". A comienzos de los 80 fue bailarina en los videoclips "Rosanna" (1982) de Toto y "Woman in You" de Bee Gees. También realizó esta misma labor junto a la banda The Tubes.

En 1983 comenzó su carrera cinematográfica interpretando el papel secundario de Tina Tech, la bailarina compañera de Alex Owens (Jennifer Beals) en "Flashdance" de Adrian Lane.

Ese mismo año tuvo más protagonismo en otro musical. Se trató de "Staying Alive: la fiebre continua", dirigida por Sylvester Stallone. En esta secuela de "Fiebre del sábado noche" (1976), dio vida a Jackie, una cantante de bar y aspirante a bailarina de Broadway que es la novia de Tony Manero (John Travolta).

En 1984 fue actriz invitada en un episodio de "La isla de la fantasía", y participó en la película de ciencia-ficción "Runaway: Brigada especial" de Michael Chrichton. En el film interpretó a Thompson, la compañera del policía futurista Jack Ramsay (Tom Selleck).

En 1987 encarnó a Penny Johnson, la amiga de Johnny Castle (Patrick Swayze) que ayuda a enseñar a bailar a Baby Houseman (Jennifer Grey) en "Dirty Dancing". Su último trabajo como actriz fue en la película de acción de Serie B "Curse of the Crystal Eye" (1991).

En 1989 reemplazó a Astrid Plane como vocalista del grupo Animotion, junto a los que grabó el tercer y último disco de esta formación titulado "Room to Move". El single homónimo alcanzó el puesto 9 en las listas de ventas norteamericanas y fue incluido en la banda sonora de "Mi novia es una extraterrestre" (1988).

En lo personal, en 1983 conoció al cantante Richard Marx durante el rodaje de "Staying Alive", ya que él trabajó en la banda sonora de la película. Posteriormente ella colaboró con él en el videoclip "Don't Mean Nothing". Ambos se casaron en 1989 y Cynthia se retiró para cuidar de los tres hijos que tuvieron. En 2002 colaboró en el disco de su marido "December", donde coescribió junto a éste la canción "Perfect Day". En 2014 anunciaron su divorcio tras 25 años de matrimonio.

FINOLA HUGHES: "STAYING ALIVE: LA FIEBRE CONTINUA" (1983):

Nació el 29 de octubre de 1959 en Londres (G.B.).

Estudió Dance y Artes escénicas en la Arts Educational Schools de Londres. En 1979 hizo su primer trabajo televisivo en el telefilm británico "Dick Emery's Comedy Hour". En 1980 participó en su primera película con el inclasificable musical "The Apple" de la productora Cannon. En 1981 interpretó a Victoria, la Gata Blanca, en el montaje original londinense de "Cats" de Andrew Lloyd Webber.

Ya establecida en Estados Unidos, en 1983 dio vida a Laura, la guapa primera bailarina de un espectáculo de Broadway y objetivo amoroso de Tony Manero en "Staying Alive: La fiebre continua". Entre 1983 y 1985 dio vida a Anne Devane en el culebrón "Hospital General".

A lo largo de los 80 y 90 participó en telefilms como "El señor de Balantrae" (1984), "Pasiones secretas" (1987), "La novia de negro" (1990), "El llanto de un niño" (1997)  y "Secretos de prisión" (1997). En 1991 hizo una breve aparición en la película "Escándalo en el plató". Entre 1992 y 1993 encarnó a Chelsea Duffy en la serie de dos temporadas "Barra libre", y desde 1993 y hasta 1995 dio vida a Carol, la novia y luego segunda esposa de Nick Russo (Ted Wass) en "Blossom".También fue actriz invitada en las series "La ley de Los Ángeles", "La ley de Burke", "Sigue soñando" y "Vacaciones en el mar: la nueva tripulación", y actuó en películas de bajo presupuesto como "Fuera de pistas" (1993) y "Libre de sospecha" (1995), "12 dólares" (1998) y "La aventura del Intrépido" (2000).

En 1996 fue Emma Frost en el telefilm "Generación X" de Marvel, y prestó su voz a Lara en la serie animada "Superman". En 1997 interpretó el papel de Kate Russo en la serie de corta vida "Pacific Palisades".

En 1998 se encargó de las voces adicionales de "Pocahontas 2: Viaje al nuevo mundo". Entre 1999 y 2006 encarnó a Patty Halliwell, la madre de las protagonistas de "Embrujadas", durante 9 episodios. Desde 1999 y hasta 2003 se unió al culebrón "All My Children"" para dar vida a la Dra. Alexandra Devane Marick. En fechas recientes hizo apariciones especiales en "CSI: Nueva York" y "Melissa y Joey", y participó en películas de bajo presupuesto como "Desarmado" (2010) y "Como locos" (2011). Además ejerció como actriz de doblaje en la serie "Batman, el intrépido" y en las películas de animación "All Star Superman" (2011) y "Scooby Doo: La leyenda del fantasmasaurio" (2011). Tras retomar su papel de Anna Devane en dos episodios de "Hospital General" emitidos en 2006, entre 2007 y 2014 ha seguido colaborando en esta producción. En lo personal, desde 1993 está casada con Russell Young, padre de sus tres hijos.

AMY MADIGAN: "CALLES DE FUEGO" (1984), "EN ALGÚN LUGAR DEL CORAZÓN" (1984), "CAMPO DE SUEÑOS" (1989) Y "SOLOS CON NUESTRO TÍO" (1989):

Nació el 11 de septiembre de 1950 en Chicago, Illinois (USA),

Su padre era el periodista y presentador de informativos John Madigan. Estudió en el Instituto Aquinas, donde participó en obras de teatro. En los años 70 fue vocalista del grupo Jelly, junto a los que grabó el álbum "A True Story" y llevó a cabo una gira por Estados Unidos. En junio de 1978 fue portada de la revista Playboy apareciendo desnuda y cubierta de gelatina (en referencia al nombre de su grupo en inglés).

Se graduó en Filosofía por la Universidad Marquette, y tras estudiar interpretación con Lee Strasberg, en 1981 debutó como actriz televisiva en episodios de las series "Hart y Hart" y "Chips". A comienzos de los 80 participó en telefilms como "Tiempos locos" (1981), "Víctimas" (1982) y "El día después" (1983). En 1982 protagonizó el drama "Hija del amor".

En 1984 actuó en "Calles de fuego" de Walter Hill. En ella encarnó a McCoy, la joven de aspecto masculino que ayuda al aventurero Cody (Michael Paré) para rescatar a la cantante Ellen Aim (Diane Lane), secuestrada por el malvado líder de la banda motoristas Raven Shaddock (Williem Dafoe). Por su interpretación recibió el Premio a la Mejor actriz en el Festival de Stiges de 1984.

En 1983 contrajo matrimonio con Ed Harris, su compañero de reparto en el drama "En algún lugar del corazón" (1984). En este film ambos interpretaron a Viola Kelsey y Wayne Lommax, personajes mantenían un romance en la ficción. Un año después volvieron a coincidir en "La bahía del odio".

En 1985 fue nominada al Oscar y al Globo de oro como Mejor actriz secundaria por "Dos veces en la vida". Durante el resto de la década protagonizó el thriller "La mujer de hierro" (1987), y ejerció como actriz de reparto en "El príncipe de la ciudad" (por la que recibió una nominación como Mejor actriz secundaria en los Premios Independent Spirit de 1988). En 1989 dio vida a Annie, la mujer de Ray Kinsella (Kevin Costner) "Campo de sueños" (1989),  y a Chanice Koboloswki, la novia del Tío Buck (John Candy) en "Solos con nuestro tío" (1989) de John Hughes. En 1989 recibió un Globo de oro y una nominación al Emmy como Mejor actriz secundaria en Miniserie o telefilm por su trabajo en el telefilm "Más allá de la justicia".

En los 90 participó en películas como "La mitad oscura" de George A. Romero, "Perversiones de mujer" (1996), "Por amor" (por la que recibió su segunda nominación como secundaria a los Premios Independent Spirit en 1997) y "Con amigos como estos..." (1998). En televisión fue un rostro habitual siendo actriz invitada en "Frasier" y participando en los telefilms y miniseries  como "Tiempo de esperanza" (1994), "El testimonio de las hermana Delany" (1999), "En el nombre del pueblo" (2000), "Historia de vida" (2001) y "El crimen del Laramie" (2002) y "El caso Hartman" (2006), "11S: El inicio" (2006) Y Prueba de vida" (2008).

También volvió a coincidir con su marido en el telefilm "El jinete púrpura" (producido por ambos en 1996) y en el largometraje "Pollock" (2000), dirigido y protagonizado por él mismo, y donde ella dio vida a la coleccionista de arte y mecenas Peggy Gugenheim. El matrimonio siguió coincidiendo en títulos como "Sólo un sueño" (2002), "Winter Passing" (2005) y "Adiós, pequeña, adiós" (2007) de Ben Affleck, donde ells encarnó a Beatrice McCready, la cuñada de Helene McCready (Amy Ryan).

Entre 2003 y 2005 interpretó a Iris Crowe en la serie de dos temporadas "Carnivàle", emitida por la cadena HBO. En fechas recientes hizo apariciones especiales en las series "Mentes criminales", "Urgencias", "Anatomía de Grey", "Ley y orden", "Fringe" y "Memphis Beat". Su carrera artística se completó con las obras teatrales "The Lucky Spot" (1987), "A Lie of Mind" (1988), "Stevie Wants To Play The Blues" (por la que ganó el Premio Drama Logue en 1990) y "Un tranvía llamado Deseo" (1992). En 2014 estrenó la miniserie "Ten X Ten" y las películas "Shirin in Love" y "Frontera". Tiene pendientes de estreno otros dos films titulados "The Grey Lady" y "Stuck". En lo personal, continua casada con Ed Harris y ambos son padres de una hija.

DEBORAH VAN VALKENBURGH: "CALLES DE FUEGO" (1984):

Nació el 29 de agosto de 1952 en Nueva York (USA).

Estudió en el Instituto Pratt de Brooklyn. En sus comienzos ejerció como cantante actuando en locales con la banda de folk Spur of the Moment. Durante sus estudios de Trabajo social en la Universidad de Nueva York formó el dúo  The Myrtle Avenue Watermelon. Su debut profesional tuvo lugar en un montaje revival de la obra "Hair" en Broadway.

Posteriormente encarnó a Mercy en "The Warriors, los amos de la noche" (1979) de Walter Hill. Entre 1980 y 1986 interpretó a Jackie Rush en la sitcom de 6 temporadas "Too Close for Confort". Tras intervenir en la película "King of the Mountain" (1981), en 1984 Walter Hill volvió a contar con ella para dar vida a Reva, la camarera y hermana de Cody (Michael Paré) en "Calles de fuego".

Un año después fue actriz de reparto en el telefilm "Historia de una Chica Playboy", y en 1987 fue dirigida por William Friedkin en el thriller "Desbocado".

A lo largo de los 80 y 90 fue actriz invitada en las series "Hotel", "Glitter", "Los caballeros de Houston", "Cagney y Lacey", "MacGyver", "Picket Fences", "A través del tiempo", "Star Trek: Espacio profundo 9" y "Chicago Hope". Entre sus películas de bajo presupuesto figuraron "Noches de fuego" (1993), "Malas armas" (1997) y "Ojos de fuego 2" (2002). En el siglo XXI hizo apariciones especiales en las series "Cazarrecompensas", "Urgencias", "The Shield", "Caso abierto", "Mentes criminales", "The Unit", "Sin rastro", "Entre fantasmas", "The Event", "Castle" y "Touch". En 2005 llevó a cabo un papel secundario en "Los renegados del diablo" de Rob Zombie. En 2012 intervino en "Road to Hell", una secuela no oficial y de ínfimo presupuesto de "Calles de fuego", con dirección del temible Albert Pyun. En ella volvió a ser la hermana de Cody (Michael Paré), y donde se incluyeron versiones de las canciones más populares del primer film, como "Nowhere Fast" y "Tonight Is What It Means to Be Young" . En 2014 participó en una episodio de la serie "Chop Shop". En su tiempo libre que suele acudir a conferencias previas a la proyección de "Calles de fuego".

LORI SINGER: "FOOTLOOSE" (1984), "EL JUEGO DEL HALCÓN" (1985), "EL HOMBRE DEL ZAPATO ROJO" (1985),  Y "WARLOCK, EL BRUJO" (1989):

Nació el 11 de agosto de 1980 en Nueva York (USA).

Su padre era el músico y director de orquesta de origen polaco Jacques Singer y su madre la concertista de piano Leslie Singer. Es hermana menor del también actor Marc Singer (el recordado Mike Doovan de "V"), y prima del director Bryan Singer. Su padre era amigo del prestigioso Leonard Bernstein, y desde niña siguió la tradición familiar y se interesó por la música clásica.

Comenzó a tocar el chelo siendo muy joven, y a los 13 años debutó como solista en la Oregon Symphony. También formó parte de la Western Washington Symphony. En 1980 ganó la Bergen Philharmonic Competition, y a los 14 años fue aceptada en la Juilliard Performing Arts School de Nueva York, donde se graduó y tuvo como profesor al músico Leonard Rose.

A comienzos de los 80 decidió ejercer como modelo y luego siguió los pasos de su hermano y se introdujo en el mundo de la actuación. Su experiencia con el chelo la ayudó a ser elegida para vida a la chelista y bailarina Julie Miller en la serie "Fama". Únicamente intervino en la primera temporada de esta producción (1982-83).

En 1984 participó en la popular "Footloose". En ella dio vida a Ariel Moore, la novia del rebelde Ren (Kevin Bacon), que además es hija del Reverendo Shaw Moore, un hombre que logra prohibir el baile en un pequeño pueblo que vivió unos trágicos sucesos en el pasado.

En 1985 secundó a Timothy Hutton y Sean Penn en el thriller sobre la Guerra Fría "El juego del halcón" de John Schlesinger,  y a Tom Hanks en la comedia "El hombre del zapato rojo". En 1985 fue nominada como Mejor actriz a los Premios Indepentent Spirit por su papel en "Inquietudes" de Alan Parker. En 1987 actuó en los dramas "Chicos Made in USA" y "En el calor del verano".

Dos años después participó en "Warlock, el brujo". En ella fue a Cassandra, la joven que acompaña al cazador de brujos del siglo XVII Giles Redferne (Richard E. Grant), cuyo objetivo es detener al temible hechicero Warlock (Julian Sands), que ha viajado en el tiempo hasta la época contemporánea.

En 1990 rodó el telefilm "Tormenta", y a comienzos de los 90 actuó en los films "Equinox" (1992) y "Sunset Grill" (1992). En 1993 fue la chelista Zoe en "Vidas cruzadas" de Robert Altman. El film obtuvo la Copa Volpi del Festival de Venecia por el trabajo interpretativo de su reparto coral, además del Globo de oro al Mejor reparto.

En 1995 creó la serie de ciencia-ficción "VR 5.0", en la que encarnó a su protagonista Sydney Bloom. Esta propuesta relacionada con la realidad virtual no superó la primera temporada. En 1997 volvió a tocar el chelo en "Bach Cello Suite #4: Sarabande", un cortometraje experimental dirigido por Atom Egoyan.

Tras varios años retirada de la interpretación, se interpretó a sí misma en la película "When We I Be Loved" (2004). En 2005 intervino en el cortometraje "Little Victim", y en 2011 fue actriz invitada en un episodio de "Ley y orden: Unidad de víctimas criminales". En los últimos años ha seguido vinculada a la música. En 2008 dio un concierto como chelista en el Carnegie Hall en memoria de Martin Luther King. También ha actuado en el Royal Albert Hall y ha tocado rock. En 2013 produjo el documental "Mea Maxima Culpa; Silence in the House of God" de la cadena HBO, ganador de varios premios internacionales y de 3 Emmys. En su tiempo libre colabora en la asociación benéfica "DISHES Project", dedicada a la lucha contra el SIDA. Como curiosidad, podemos señalar que firma sus autógrafos con las palabras "Stay Footloose". En lo personal, entre 1981 y 1998 estuvo casada con el actor Richard Emery y ambos son padres de un hijo.

LUCY GUTTERIDGE: "TOP SECRET" (1984):

Nació el 28 de noviembre de 1956 en Londres (G.B.).

Procedente del matrimonio de clase alta integrado por  Bernard Hugh Gutteridge y Nabila Farah Karima Halim (hija del H.H. Príncipe Muhammad Said Bey Halim de Egipto y de la británica Nabila Malika), debutó en el cine con un papel secundario en "El griego de oro" (1978). A finales de los 70 y comienzos de los 80 fue una asidua a la televisión británica participando en series, miniseries y telefilms como "The Devil's Crown" (1978), "La casa del terror" (1980), "Love in a Cold Climate" (1980), "Agatah Christie: El misterio de las siete esferas" (1981), "Nicholas Nickleby" (1982) y "Tales from the Unexpected" (1980 y 1988).

En 1982 protagonizó la miniserie norteamericana "La pequeña Gloria", por la que fue nominada al Globo de oro como Mejor actriz de miniserie o telefilm. En 1984 actuó en la comedia "Top Secret" de Jim Abrahams, David y Jerry Zucker. En ella dio vida a Hillary Flammond, la bella joven que enamora e implica al cantante de de rock Nick Rivers (Val Kilmer) en una operación de espionaje dentro de una disparatada Alemania Oriental que sigue bajo el poder de los nazis.

En 1985 trabajó como secundaria en los telefilms "Cuentos de Navidad", "Merlín y Excalibur" y "Hitler SS: El retrato del mal". En 1987 fue actriz invitada en un episodio de "El autoestopista". En 1988 participó en la película de bajo presupuesto "La jungla de marfil". En 1989 formó parte del reparto de la miniserie británico-estadounidense "Volveremos a vernos". En 1993 llevó a cabo su último trabajo como actriz de reparto en la película independiente norteamericana "Grief". En lo personal, estuvo casada con el actor Andrew Hawkins, padre de su única hija. En la actualidad continua retirada de la interpretación y reside en la Isla de Wight en Gran Bretaña.

CHARLOTTE LEWIS: "PIRATAS" (1986) Y "EL CHICO DE ORO" (1986):

Nació el 7 de agosto de 1967 en Londres (G.B.).

De madre de origen irlandés y padre de ascendencia chilena e iraquí, estudió en el Colegio Bishop Douglas. Aunque en 1978 intervino en la serie británica "Grange Hill", su debut cinematográfico no se produjo hasta 1986, cuando dio vida a María-Dolores de la Jenya de la Calde en "Piratas" de Roman Polanski.

Un año más tarde actuó en "El chico de oro", donde dio vida a Kee Nang, la hermosa mujer que contrata al detective Chandler Jarrell (Eddie Murphy) para que encuentre a un misterioso niño (J.L. Reate) con poderes procedente del Tibet, y cuyo sobrenombre da título al film.

Entre 1986 y 1988 fue pareja de Charlie Sheen. En los 90 actuó en películas como "El peso de la corrupción" (1991), "Fuerza excesiva" (1993), "Hombres de honor" (1993) o "El abrazo del vampiro" (1995), una serie Z sólo recordada por sus escenas lésbicas con Alyssa Milano.

Entre 1990 y 1991 encarnó a Priscilla Matter en la serie policíaca de una temporada "Broken Bridges". Como actriz invitada participó en las series "Historia de un crimen", "Seifeld", "Viper", "Renegado" y "Highlander: The Raven". Entre sus últimos trabajos ante las cámaras figuran las películas de bajo presupuesto "Every Dog Has It Day" (1999), "Henry X" (2003) y "Hey DJ" (2003). En 2010 puso una demanda contra Roman Polanski acusándolo de abusos sexuales cuando ella tenía 16 años. Un año antes afirmó que había mantenido una relación sentimental de 6 meses con el director polaco.

CHELSEA FIELD: "LOS MASTERS DEL UNIVERSO" (1987):

Nació el 27 de mayo de 1957 en California (USA).

Se graduó en el Instituto Crascenta Valley. En 1983 fue bailarina en el programa "Solid Gold". En 1985 hizo sus dos primeros y breves trabajos cinematográficos en "Perfect" y "Comando", e intervino en un episodio de la serie "Helicóptero".

En 1987 encarnó a la sexy y aguerrida Teela en la versión cinematográfica de "Los Masters del Universo". Posteriormente actuó en el film de terror "Presio" de Renny Harlin, y secundó a John Ritter en la comedia "Una cana al aire" de Blake Edwards.

En la pequeña pantalla no tuvo suerte con las series dramáticas "Nightingales" (1989) y "Capital News" (1990), las cuales no superaron la primera temporada en antena. También fue actriz invitada en las series "Treintaytantos", "Misión en el tiempo", "Sigue soñando" e "Historias de la cripta".

En los 1991 encarnó a Sarah Hallenbeck, la esposa infiel del detective Joe Hallenbeck (Bruce Willis) en "El últimoBoy Scout". En los 90 fue actriz de reparto en films como "Dos duros sobre ruedas" (1991), "La mitad oscura" (1993) de Goerge A. Romero, "Justicia extrema" (1993), "Snapdragon" (1993), "Una foca en mi casa" (1994) y "Aprendiendo as vivir" (1994). En 1994 colaboró en el telefilm "Los pájaros 2", y acto seguido intervino en la miniserie "Texas" (1994) y en el telefilm "El caso McMartin" (1994).

En 1996 coincidió con Paul Hogan y Elijah Wood en la versión cinematográfica de "Flipper". Sus siguientes trabajos fueron las películas de bajo presupuesto "Perversión " (1998), "The Unsaid" (2001) y "Just Add Water" (2008). En el siglo XXI hizo apariciones especiales en las series "Caso abierto", "Sin rastro", "Navy: Investigación criminal" y "Memphis Beat". En lo personal, desde 1996 está casada con el actor Scott Bakula, padre de sus dos hijos, y con el que coincidió en la película "Passion to Kill" (1994) y en el telefilm "NetForce" (1999).

SHARI HEDLEY: "EL PRÍNCIPE DE ZAMUNDA" (1988):

Nació el 15 de julio de 1964 en Nueva York (USA).

Tras ganar un concurso de belleza, a principios de los 80 trabajó como modelo para la Agencia Ford. Sus primeros trabajos televisivos los llevó a cabo en episodios de "La hora de Bill Cosby" y "Corrupción en Miami".

En 1988 debutó en el cine con "El príncipe de Zamunda" de John Landis, en la que encarnó a Lisa McDowell, la bella joven que enamoraba al Príncipe Akeem (Eddie Murphy).

En 1990 fue Zina Oliver en la serie de telefilms rotantes "Gideon Oliver". A lo largo de los 90 fue actriz invitada en "Kojak", "A través del tiempo", "Matlock", "Walker, Texas Ranger", "Vacaciones en el mar: La nueva tripulación" o "Malcolm y Eddie". En 1996 secundó a Whitley Houston y Denzel Washinton en "La mujer del predicador". Entre 1997 y 1998 fue Juanita Barnes en la serie dramática de una temporada "413 St. Hope".

En el siglo XXI hizo apariciones especiales en "House", "Veronica Mars" y "Castle" y "10 razones para odiarte". En 2004 obtuvo un papel secundario en la comedia "Vacaciones en familia". En fechas recientes estuvo vinculada a los culebrones norteamericanos. Primero fue Heather Engle en "Belleza y poder" (2004), y en 2005 interpretó a la Oficial Mimi Reed en el culebrón "Todos mis hijos", un papel que ya había encarnado de manera intermitente en esta producción entre 1991 y 1996. En 2014 trabajó en un episodio de la serie "Love That Girl!", y en las películas "The Cocretion" y "Ex-Free", la última aún pendiente de estreno. En lo personal, entre 1993 y 1995 estuvo casada con el rapero y actor Christopher "Play" Martin, padre de su único hijo.

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IN MEMORIAM: GUSTAVO CERATI

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Nació el 11 de agosto de 1959 en Buenas Aires (Argentina).

Siendo muy joven se interesó por la música rock y el dibujo de cómics, al tiempo que destacó en el deporte. En su época de instituto ganó un concurso de canción navideña en la cadena televisiva Canal 9. En 1971 ejerció como visitador médico, y posteriormente cumplió el servicio militar argentino. Entre sus primeras formaciones musicales figuraron grupos como Savages, Vozarrón, Tricilo, The Morgan y Stres, banda que dio origen a Los Estereotipos.

En 1982 fundó Soda Sterero junto a Zeta Bosio (bajo y coros) y Charly Alberti (batería),  grupo que se convirtió en una de las bandas de rock de referencia en Argentina. El grupo destacó con álbumes "Soda Stereo" (1984), "Nada personal" (1985), "Signos" (1986), "Doble vida" (1988), "Canción animal "(1990), "Dynamo" (1992) y "Sueño Stereo" (1995). Entre sus temas más emblemáticos figuraron "Trátame suavemente" (1984), "Te hacen falta vitaminas" (1984), "Nada personal" (1985), "Persiana americana" (1986), "Signos" (1986), "En la ciudad de la furia" (1988), "De música ligera" (1990) o "Té para tres" (1990). En 1997 se anunció la separación oficial de la banda, aunque hubo un regreso en 2007 con la gira "Me volverás a ver". El Último Concierto tuvo lugar en el Estadio de River Plate de Buenos Aires, el día 20 de septiembre de 1997.

De manera paralela a este proyecto, también formó parte de la banda Fricción", con la que grabó los discos "Consumación o consumo" (1986) y "Para terminar" (1986). En 1988 participó en la canción "Vampiros" de Charly García, y en 1992 lanzó el álbum "Colores santos" junto a Daniel Melero. Un año más tarde llegó su disco en solitario "Amor amarillo" (1993), y entre 1995 y 1999 formó parte de Plan V junto a (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch.

En 1999 participó en un disco tributo a The Police titulado "Outlandos D'Americas: A Rock en Español Tribute to the Police", donde él interpretó "Tráeme la noche" (versión de "Bring on the NIght" junto al propio Andy Summers.

Su restante discografía en solitario estuvo integrada por "Bocanada" (1999), "Siempre es hoy" (2002), "Ahí vamos" (2006) y "Fuerza natural" (2006). En 2001 también compuso la banda sonora de la película "+ bien", y grabó un disco de versiones de temas clásicos de su carrera titulado "11 episodios sinfónicos". En lo personal. estuvo casado con la diseñadora  Belén Edwards y con la modelo Cecilia Amenábar, madre de sus dos hijos. También mantuvo relaciones sentimentales con la cantante Deborah de Corral, con la actriz Leonora Balcarce, y con la modelo Chloé Bello.

El 25 de mayo de 2010 sufrió un accidente cerebrovascular, y tras permanecer cuatro años en coma, falleció el 4 de septiembre de 2014 en la Clínica ALCLA (Argentina), a la edad de 55 años. Con su muerte, el rock argentino pierda a una de sus grandes figuras.

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